| 帅 的个人资料北邮纯净水的BLOG照片日志列表 |  工具  帮助 |
|
|
2009/8/21 【资料】梁静茹勇气 演唱:梁静茹 作词:瑞业 作曲:光良 终于做了这个决定 别人怎么说我不理 只要你也一样的肯定 我愿意天涯海角都随你去 我知道一切不容易 我的心一直温习说服自己 最怕你忽然说要放弃 爱真的需要勇气 来面对流言蜚语 只要你一个眼神肯定 我的爱就有意义 我们都需要勇气 去相信会在一起 人潮拥挤我能感觉你 放在我手心里你的真心 如果我的坚强任性 会不小心伤害了你 你能不能温柔提醒 我虽然心太急更害怕错过你 梁静茹 梁静茹，一个响彻华语乐坛的名字。出生在马来西亚的她，在一次歌唱比赛中有幸得到李宗盛肯定。19岁那年只身一人到台北，开始她的音乐梦想。在试唱的时候，面对种种地挫折，梁静茹以冷静而稳定的表现，最终赢得了赞赏，精心录制两年的专辑就在发行后的几天，台湾发生了大地震，所有宣传全部取消，梁静茹靠着惊人的毅力度过了那段时光。2000年，从头再来，以一首《勇气》让她红遍大中华地区，从此成为“K歌天后”。此后梁静茹以每年一张专辑的速度，捍卫她在华语乐坛的地位。《宁夏》《暖暖》《会呼吸的痛》《燕尾蝶》《亲亲》《可惜不是你》《崇拜》《没有如果》《情歌》等歌曲长期位居各大排行版前列。梁静茹的音乐以抒情淡雅的情歌为主，也包含多种音乐元素。她的声音就是在这样一种平凡中直指人心，直指你爱的世界，她告诉你“你也可以坚强，用微笑祝福离你而去的人，面对一切悲欢。”都说有种声音有非凡的力量，可以改变两个人关系，可以为人们心灵疗伤。正如鱼迷中流传的一句话一样，“遇见静茹，遇见幸福”，梁静茹便是其中的佼佼者，她是当之无愧的情歌歌后。 第10张原创专辑：静茹&情歌—别再为他流泪 发行时间：2009年1月16日发行 发行公司：环球音乐&相信音乐 静茹&情歌——别再为他流泪 第1张原声EP 专辑名称：幸福的抉择 Ido 发行时间：2008年12月12日 发行公司：相信音乐 第3张演唱会Live专辑 专辑名称：今天情人节 发行时间：2008年8月28日 发行公司：相信音乐 第9张原创专辑 专辑名称：崇拜 发行时间：2007年11月9日 发行公司：相信音乐 第8张原创专辑 专辑名称：亲亲 固执爱的现在 发行时间：2006年10月6日 发行公司：滚石唱片 第7张原创专辑 专辑名称：丝路 通往爱的路途 发行时间：2005年9月16日 发行公司：滚石唱片 第2张演唱会live专辑 专辑名称：爱的大游行 Live 全记录 发行时间：2005年3月4日 发行公司：滚石唱片 第6张原创专辑 专辑名称：燕尾蝶 下定爱的决心 发行时间：2004年9月10日 发行公司：滚石唱片 第1张精选辑 专辑名称：恋爱的力量 发行时间：2003年11月25日 发行公司：滚石唱片 第5张原创专辑 专辑名称：美丽人生 发行时间：2003年2月12日 发行公司：滚石唱片 第1张演唱会live专辑 专辑名称：『Time and Love』演唱会全纪录 发行时间：2002年5月30日 发行公司：滚石唱片 第4张原创专辑 专辑名称：Sunrise我喜欢 发行时间：2002年2月7日 发行公司：滚石唱片 第3张原创专辑 专辑名称：闪亮的星 发行时间：2001年6月27日 发行公司：滚石唱片 第2张原创专辑 专辑名称：勇气 发行时间：2000年8月2日 发行公司：滚石唱片 第1张原创专辑 专辑名称：一夜长大 发行时间：1999年9月17日 发行公司：滚石唱片 2008/3/27 迪伦在1968年本文发表于2008年第6期《三联生活周刊》。我理想中的呈现形式，应该是下面这样：
导言：只有时代的先驱才能成为一个称职的预言家，因为他只要描述一下自己现在的生活，就是大众的未来：
（1966年的鲍勃·迪伦） 1968年，世界大乱。
（迪伦和那辆肇事摩托车）
（1968年迪伦和邻居在一起） 1968年的迪伦 1968年的第一个星期，《约翰·韦斯利·哈丁》（John Wesley Harding）出版了，并在出版后的一个星期内就卖掉了25万张。 1968年的迪伦 1968年的第一个星期，《约翰·韦斯利·哈丁》（John Wesley Harding）出版了，并在出版后的一个星期内就卖掉了25万张。
专辑一共有12首歌，居然全部是原声民歌，配器非常简单，除了迪伦的吉他和口琴外，只有一架鼓和一把贝司（另有两首歌加了点夏威夷吉他）。整张专辑听下来，迪伦居然没有重复演唱过任何一句歌词，所有内容一遍过，除了一首歌外，其余11首都只有3段简单的歌词，这在当时的流行歌坛可谓是独一无二的。更为不可思议的是，那些早已习惯了在歌词中寻找含义的歌迷们发现，这一次迪伦不再堆砌词藻，而是讲起了故事，很多故事都和《圣经》有关。
http://www.tudou.com/programs/view/DErAVj_pgOk/
http://www.tudou.com/programs/view/BKWLfttZIjs/
http://www.tudou.com/programs/view/WR4b8BQVu-8/
“披头士”乐队的吉他手乔治·哈里森非常喜欢这张专辑，他曾专门去问鼓手巴特里：“这张专辑的录制过程是不是充满艰辛？”“一点也不，”巴特里回答：“我们一共花费了2个小时就录好了，连同混缩，前后不超过6个小时。” （那幢粉红色的大房子）
（迪伦，萨拉和他们的三个孩子） 1968年后的迪伦 1969年初，迪伦再次来到纳什维尔，录制了一张纯粹的乡村歌曲唱片，这批歌都是他在1968年下半年写成的。这一次，歌词里就连思考都没有了，《圣经》也无迹可寻，剩下的只有简单的爱情。迪伦的唱腔也一改往日的尖刻，变成了乡村歌曲那种典型的甜腻唱法，听上去倒是很像迪伦在哄孩子。结果，这张名为《纳什维尔地平线》（Nashville Skyline）的唱片却成了迪伦有史以来卖的最好的一张唱片。
有个名叫朗格的年轻人，因为仰慕迪伦的才华，追随迪伦搬到了伍德斯托克。后来他和另外三个年轻人决定在附近举办一个大型音乐会，没想到这场音乐会变成了一个有50万嬉皮士参加的盛大的节日，这就是历史上有名的“伍德斯托克音乐节”的由来，整个60年代的这批年轻人也被历史学家冠以“伍德斯托克一代”这样的名字。 2007/7/4 蒙古族 呼麦从 CCTV青年歌手大赛获奖选手海木日泰开始发现这种形式，觉得人类可以挖掘的东西应该还有很多，也发现自己的无知应该更多。最近听了《乌兰巴托的夜》，背景音也是呼麦，本来很简单的歌曲一下子很有遥远的味道。搜集资料如下：
“呼麦”，又名“浩林·潮尔”，是蒙古族复音唱法潮尔（chor）的高超演唱形式，是一种“喉音”艺术。运用特殊的声音技巧，一人同时唱出两个声部，形成罕见的多声部形态。演唱者运用闭气技巧，使气息猛烈冲击声带，发出粗壮的气泡音，形成低音声部。在此基础上，巧妙调节口腔共鸣，强化和集中泛音，唱出透明清亮、带有金属声的高 音声部，获得无比奇妙的声音效果。 在研究和探讨呼麦艺术形成和发展历史的时候，经过认真的查考，发现中国古代的所谓长啸、巫啸竟和当今的呼麦如出一辙，甚至还有大量文献可以查证，其方法、特征都有翔实描写，详见本站网页从唐代《啸旨》看呼麦因此，我们提出中国呼麦这一说法，兼顾了蒙古和中国古代的民族文化，也因为蒙古本属中国。请参考 本网站的其他文章和资料。 有关呼麦的产生，蒙古人有一奇特说法：古代先民在深山中活动，见河汊分流，瀑布飞泻，山鸣谷应，动人心魄，声闻数十里，便加以模仿，遂产生了呼麦。新疆阿尔泰山区的蒙古人中，至今尚有呼麦流传。呼麦的曲目，因受特殊演唱技巧的限制，不是特别丰富。大体说来有以下三种类型：一是咏唱美丽的自然风光，诸如《阿尔泰山颂》、《额布河流水》之类；二是表现和模拟野生动物的可爱形象，如《布谷鸟》、《黑走熊》之类，保留着山林狩猪文化时期的音乐遗存；三是赞美骏马和草原，如《四岁的海骝马》等。从其音乐风格来说，呼麦以短调音乐为主，但也能演唱些简短的长调歌曲，此类曲目并不多。从呼麦产生的传说，以及曲目的题材内容来看，“喉音”这一演唱形式，当是古 代山林狩猎和游牧文化时期的产物。 从发声原理来看，呼麦应看作是人声潮尔的特殊形态，是“浩林·潮尔”合唱艺术发展和升华的必然结果。如前所述，古代蒙古人参加战争，作战前均须高声歌唱潮尔合唱，狩猎成功后也会尽情宣泄，狂热歌舞。在排山倒海般的潮尔声浪中，自然产生出飘渺的泛音效果。显然，蒙古人试图将潮尔合唱艺术的基本要素，巧妙地移植到一人身上。经过长期探索，终于创造出这一奇特的声乐形式。呼麦的产生和发展，乃是蒙古音乐发展进步的产物，在声学规律的认识和掌握方面出现了质的飞跃。探求声音奥秘的道路上，蒙古人终于取得了突破性成就。相传早在13世纪蒙古草原盛行英雄史诗说唱艺术时就已十分盛行了，而据音乐学家们考证，我国诸多古籍中（包括《诗经》）记载的北方草原民族的一种歌唱艺术－－“啸”，就是“浩林·潮尔”的原始形态。如此，其历史至少可追溯到2300年以前。此推断如成立，将从人类复音音乐文化发源地这一基本部分改写《世界音乐史》。这并非玄说、臆断，仅从“潮尔”的蒙语发音与西方复音音乐的合唱、和声和弦诸多民族文字对比，即可窥见其内在联系。潮尔，蒙语准确发音为“chor”；而同其相关的欧洲诸国的和音、和弦、合唱、众赞歌等术语分别是chorus（英）、chord（法）、chor（德），其词根如此惊人的相同，绝非巧合。但迄今为止，中国音乐的历史，却从未记载有关中华民族自身的复音音乐起源。那么，究竟复音音乐是由西方传入中国，还是由中国阿尔泰地区（新疆）辐射到西方？事实是，“啸”－－潮尔（chor）已有2300多年历史，而西方复音音乐最早产生于11O0年前的9世纪。合唱、众赞歌的兴盛则已到了14－17世纪。可见，一向被视为无复音音乐的东方－－中国，实际来可能是西方欧洲复音音乐的母体和发源地。 2006/8/23 CCTV-5《天下足球》music1.离去的列车(e Train Qui S\'en Va) 法国温婉天后Helene(伊莲)凭借《Je M\'appelle Hélène(我的名字是伊莲)》一炮走红，但这首更是美妙，简洁而清新，淡淡的忧伤中除了有对过往的无奈，更有对前路的憧憬。CCTV-5《天下足球》在"齐达内专集"里送别这位一代巨星。 2.I Will Survive 美国Disco女王Gloria Gaynor的经典夜唱歌曲。开始是很舒缓轻柔的节奏，到后来整齐划一的合唱"La La La"时就不得不被它的节奏和气势所打动。 3.AllezlaFrance(前进 法国) 法国队歌，和那首《马赛曲》一样，节奏铿锵，鼓舞人心。 4.Vangelis Anthem 希腊电子音乐圣祖Vangelis(范吉利斯)为2002年世界杯精心打造的，动感十足。 5.Better Man 英国摇滚巨星Robbie Williams(罗比·威廉斯)本身是正宗的足球迷。《天下足球》里用这首歌告别巴乔。林忆莲翻唱过这首歌。 6.Day Of Your Beliefs 芬兰的著名乐队Death Metal的经典之作，《天下足球》曾用它做片尾曲。 7.Deutschland 德国歌手赫尔柏特·格罗内迈耶尔在06世界杯开幕式上演奏的德语版的《Time Of Our Lives》,也这届世界杯第二首主题曲，歌词意思很有趣，节奏欢跃，旋律动听。 8.Do I Have To Cry For You 美国歌手Nick Carter深情地在歌唱，难道你不为之打动吗？《天下足球》曾用它做片尾曲。 9.Don\'t Turn Off The Light 西班牙拉丁巨星Enrique Iglesias(安里奎·伊格莱希亚斯)十分好听的一首歌。《天下足球》曾用它做开片曲。 10.Dying In The Sun 来自爱尔兰的The Cranberries(小红莓乐队)的经典之作。主唱Dolores嗓音纯情如水。 11.Here I Am 加拿大男声天籁Bryan Adams(布莱恩·亚当斯)的成名之作。CCTV-5拿它做欧洲联赛新赛季宣传曲。 12.How Do You Feel Tonight 同样来自Bryan Adams，是《天下足球》"皮耶罗专集"背景音乐。 13.I Will Always Return 当英超老牌禁旅西汉姆联队不幸降级时，用Bryan Adams的这首歌祝福她相当贴切。 14.It\'s Your Love 《天下足球》献给冰王子的歌，来自美国乐队LMNT。 15.Masazumi Ozawa-Attraction 来自日本电子音乐手小沢正澄，被用来作进球集锦的背景音乐。 16.Moment of Glory 德国重金属乐队Scorpions(蝎子乐队)代表作。02世界杯背景音乐。 17.My lover\'s gone 英国歌手Dido的这首歌正好送别冰王子博格坎普。 18.Reasons To Leave 来自爱尔兰的女歌手Kate Purcell，告别战神巴蒂。 19.Ryan Giggs 曼联球迷献给吉格斯的歌。 20.Stand Up (Champions’Theme) 意大利歌星帕吉欧献给冠军的颂歌。在06世界杯意大利人举起奖杯后歌声萦绕全场。 21.Tuly Madly Deeply 来自澳洲Savage Garden(野人花园)组合，送别冰王子。 22.Silverado(雪佛兰) 由美国University of Massachusetts(麻省大学)的一支乐队演奏，从《足球之夜》创办以来一直是片头曲。 23.When You Believe 来自美国女歌星Mariah Carey，献给中国女足。 24.When You Say Nothing At All 《Notting Hill(诺丁山)》插曲，来自爱尔兰超红五人组BOYZONE。献给当时受伤的克雷斯波。 25.You Wanted More 来自挪威乐队A-Ha，片尾曲。 26.You\'ll Be In My Heart 电影《泰山(Tarzan)》片尾曲,来自Phill Collins，夺得2000年奥斯卡最佳原创歌曲奖。 27.You\'re The Inspiration 来自美国Chicago乐队,献给离开拜仁的巴拉克。 曲目：
2006/1/19 音乐·TipS1.最古老的乐器 有据可查的最古老的乐器，是新石器时代的“骨哨”，其年代的上限为距今7000年左右，发现于中国浙江河姆渡遗址中。“骨哨”是截取鸟禽类中段肢骨加工而成的，长度4至12厘米不等，器身略呈弧曲。其中有一件骨哨，出土时腔内插有一肢骨，将有孔的一段放入嘴里轻吹，同时抽动腔内肢骨，就可以吹出简单的乐曲。 2.最早的小提琴 最早的现代意义上的小提琴大约产生于十六世纪中叶，那时的许多珍品现在还保存在欧洲一些博物馆内。小提琴的起源大约追溯到约2000多年前的的埃及乐器“里拉”(Lyre)。十五世纪，意大利人进行了改革，并用马尾制成的弓子拉奏，定名为Violin，即小提琴。后又经过多年演变，小提琴的形状与制作才基本固定下来。 3.最大的乐器 现存于美国新泽西州大西洋城的一个礼堂里的一架建于1930年的管风琴，造价高达50万美元。该琴有33112支从0.48厘米到19.5米的音程管、1477个音栓控制、19个音色区和7排键盘。由于无法靠人力鼓风来演奏，因此专门安装了一台365马力的鼓风机。它的风压巨大，要用液压传动装置进行操作。演奏时，在254厘米水柱高的压力的操作下，发出震耳欲聋的音响，相当于25个铜管乐队的总音量，比六台蒸汽机火车的汽笛还要响。 4.最小的乐器 我国的少数民族民间乐器”口弦“。这种乐器在我国彝族、苗族、景颇族、哈尼族的音乐生活中，占有重要地位。口弦是一支细薄的竹片上挖出簧牙，放在嘴边用指弹拔而发音的。它的重量仅是管风琴重量的百分之一。现在，口弦已登上舞台，成为一种具有浓郁民族色彩的独奏乐器了。 5.最贵的钢琴 由马丁贝克剧院出售的一架1888年制造的斯坦威大钢琴，1980年3月26日在纽约索斯比拍卖行拍卖，成交价39万美元。 6.最大的电子琴 由美国著名的古典风琴演奏家瓦·福克斯设计，罗杰斯电子乐器公司于1977年制作完成的，有上、下五排键盘，音域宽广、音量宏大，制造工艺极为精细，这架庞大的电子琴重量近四吨，用了20万只电子元件，34台振荡器组成了129种不同的音源发生器，相互之间的连接线长达200公里。5立方米的箱体内安放着50台100瓦的放大器，拖动着180个大小不一、音质各异的扬声器。现收藏于美国纽约著名的卡内基音乐厅内。 7.最轻便的键盘乐器 口风琴。这种乐器的特征是用嘴吹作风源，用键盘乐器的指法演奏。它价格便宜，又比一般键盘乐器容易学。是一件理想的音乐入门的普及性乐器。 8.世界上最大的鼓 目前，世界上最大的鼓在美国。这只鼓的直径为3.7米，重272.2公斤。它是1872年波士顿为庆祝世界和平日而造的。 9.最珍贵的长笛 世界上最珍贵的一支长笛，曾几经转折而落入普鲁士国王腓特烈大帝之手。据闻，这位皇帝还是一个音乐家。正因为这件古老的乐器有着这么一段不寻常的经历。因此，当这件稀世瑰宝在1972年伦敦市场上拍卖时，身价竟高达43500马克。 10.最大的吉他 由加拿大安大略省拉多音乐公司乔·克凡斯制作的一把吉他。高达4.35米，琴重140.2公斤。演奏者必须爬在琴体上来演奏。 鉴琴对于提琴使用者来说， 参考以下几个方面， 有助于鉴别一只琴的品质。 重量 重量反映出提琴音板的厚度， 过重的琴声音暗哑， 过轻的琴声音发空， 而且容易产生变形。
音孔
两个音孔的形状和位置不仅体现了制作者的风格， 而且影响到声音。 与声音关系较大的因素是两个上小珠间的距离， 音孔长度和斜度。
弧度
这是提琴最重要的设计元素之一。 较低的弧度使声音深而大， 这样的琴受湿度影响相对较小， 弧度过度的低会造成音色缺乏品味。 高弧度的琴音色甜美， 但缺乏穿透力， 过度高耸的弧度会使面板抵抗不住来自琴弦的压力， 造成指板下方的弧度继续隆起。 另外还要注意观察琴板边沿弧度隆起的缓急程度， 隆起较缓的弧度造成发音敏感， 但音色单调。
样式
多数优秀制作家在样式设计上有鲜明的个性特征， 例如斯坦纳，阿玛提，斯特拉第瓦利，瓜乃利等人。 他们的样式都相对完整， 自成体系， 给后人带来深远影响。 从演奏者的角度看， 琴肩部的曲线形状还关系到拉奏起来是否方便， 尤其是中提琴。
木材
选材是非常重要的一环。 面板用料是鱼鳞云杉， 要求年轮顺直而均匀， 早材和晚材的比率要适度， 这关系到木材的软硬度。 垂直于年轮的木射线越多越好。 背板用料是枫木，比重要高， 木射线要发达， 而美丽的花纹与声学品质无关。
油漆
除了美观以外， 理想的油漆应当具备持久的柔韧性和较薄的漆层， 其声学作用使琴声柔和丰润， 而且经过长期使用越发漂亮。 硬而脆的漆在使用中会成小块破碎， 其声学作用使琴声刺耳。 古琴油漆因外来磨损及其自身性质， 呈现出特有的外观。 仿古油漆如果做得真实而艺术， 同样能达到赏心悦目的境地。
工艺
琴头旋首， 音孔， 鑲线和琴边都是有关工艺的重要部件， 在同一只琴上应当风格统一。 意大利风格的工艺往往线条自由， 造型生动， 让人很喜欢观赏。
外部装配
良好的装配能让演奏者感觉舒适， 糟糕的装配能毁掉一只好琴的声音。 以下是关于装配技术的简要说明。
弦长
弦长等于琴颈长度加上码桥线长度， 码桥线长度是指琴板上边缘到码桥处的距离。 这两个长度的比率在小提琴和中提琴上是 2：3， 在大提琴上是不是7：10。 小提琴有效弦长是328毫米， 琴码到拉弦板之间的距离是有效弦长的六分只一。
中轴线
从弦枕， 指板， 琴码，拉弦板到尾钮构成一条中轴线， 这条线的正直保证了琴的自由振动。
音柱
音柱的尺寸，木材，位置和修验工艺都影响琴的振动。 从右音孔能看到音柱在琴码的后面，间隙相当于琴码的厚度。 音柱与两块音板的接触应当严密， 可以用牙医的小镜子查看， 音柱顶住两块音板的松紧程度会相应改变琴声， 修理工艺粗糙会损伤面板内側， 可能造成裂纹甚至穿孔。 琴码琴码要立在桥线上， 微微向后仰。 琴码高度受弦夹角， 弦与指板距离以及弧高的影响。琴码各方向的尺寸都对振动产生影响，修削琴码需要的耐心和精确度远超过制作琴箱和琴头。
弦枕 弦枕要做到光滑圆润，不刺激左手，弦在上面匀顺地过度，弦直径的三分之一落入弦枕槽里。
指板
指板的弧度自上而下是统一的， 即弧度半径是一样的，手工操作做到这点并不容易，纵向下凹要变化多端均匀，尺寸适当，才能保证振动弦不碰指板，左手按弦有舒适的深度感。
弦槽匣
过窄的弦槽匣会使两根外弦受到磨擦。弦轴孔位置不正确会造成弦轴磨弦现象。精细绞验的弦轴和轴孔配合严密，弦轴可以随意转动和停止。
以上几点都处于正确状态，琴才能发出正常的声音。长期使用，气候变化和外来损害都可能造成某一方面失衡，琴应该经常让制作师检查。
卡里波罗世界名琴与斯特拉迪瓦里(摘录)
意大利小提琴大师乌托·乌季使用的是著名小提琴制造家瓜纳里于1744年制造的、被公认为当今世界上最美妙的小提琴——瓜纳里·德·耶稣“卡里波罗”（Cariplo）小提琴。乌季还有一把1701年的斯特拉迪瓦里小提琴，别名“克鲁采”（Kreutzer），因为它曾属于同名伟大的小提琴家，贝多芬著名的《克鲁采奏鸣曲》就是献给他的。 斯特拉迪瓦里是一个技艺非凡、充满感性和洞察力的艺术家，以至于他的名字已经成为至高无上的品质的代名词。任何领域的卓越品质都被冠以“斯特拉底瓦里”这个名字。他对小提琴几何学的诠释和其设计被其后延续250年至今的小提琴制造家尊为概念模型。斯氏同时也制造竖琴、吉他、中提琴和大提琴。他一生共制造了大约1100件乐器，其中流传至今的约有650件左右。另外，有数千的小提琴都是其它制琴家为颂扬斯氏而造的，他们模仿斯氏的模型，并贴上标签“斯特拉底瓦里式”，正因如此，如今贴上“斯特拉底瓦里式”标签的小提琴不一定都是精品。通常的标签，无论是否精品还是赝品，都用拉丁文题上字样“Antonius Stradivarius Cremonensis Faciebat Anno[日期]”。Antonius Stradivari 指制琴师是斯特拉底瓦里，Cremona指制琴地是意大利的克里莫纳，最后的指的是制琴日期，可能印刷或是手写。1891年以后的斯氏仿制品可能会用英语在标签底部写上制造国，譬如“捷克斯洛伐克制造”或是简单的“德国”字样等。美国在1891年之后规定在进口商品上必须有类似的鉴定字样。斯氏乐器在斯氏死后超越两个半世纪，其价值不减反增，其品质一直处于至高无上的地位，除了它们显而易见的优雅和精密之外，其力量感更是取胜关键。斯氏的前人中最好的制琴师，以及大多数斯氏的同时代人制造的乐器体积较小，琴背弧度很高，奏出的音色虽然美，但很薄，只适合教堂使用或被小型室内乐团用于娱乐出资的贵族。
斯氏却拥有惊人的预见性，他认识到提琴迟早要有更大的的体积和响度。当然他不可能准确预见交响乐和交响乐队会出现于18世纪晚期至19、20世纪，但至少他预见了音乐将往这个方向发展。经过无数的实验——小至琴背一英寸的弧形结构，到乐器的长度和尺寸——他创造了“属于未来的小提琴”，它能奏出微妙、甜美但拥有足够力度感、犹如钻石般闪亮的音色，其响度和清晰度足够去应付今天的管弦乐队。多亏有斯氏的这一改革，小提琴才能立于“乐器皇后”的不败之地。卡尔里斯（Carlyss）说：“斯氏一个人完成了乐器的形式改革，在他之前从未有人做过改变，在他之后也没有，因为他已经完成了，你没法在他所做的上面再去改进了。一把好的斯氏琴能给予你无尽的表现力。你可以自由地表达出所需的音乐语言。你可以随心所欲地在琴上表现出你对色彩、声音和感情方面的细微处理。好的斯氏琴可以完美地诠释演奏家的情感。同时它的声音也很能抓住听者的心。反正，斯氏琴就是斯氏琴。” 现存的斯氏琴一直在被计算，总数大概不过700把左右，当然收藏家和商人总是在温和地争论这数目的大小。同时，由于很多斯氏琴的买卖都是秘密地在一些深思熟虑的商人和富有的收藏家手中进行，所以现存斯氏琴的确切数目总是难以探测。
据保守的估计，斯氏从21岁（1665年）直到92或93岁去世这一光辉的制琴生涯期间，总共制造了约1116把不同的弦乐器。他的工作效率极高，工作量极大，简直是献身于艺术。斯氏一个月至少可以完成两把小提琴或是一把大提琴，平均一年制造25把小提琴或是10把大提琴，有时甚至是更多。话说1715年，斯氏已经71岁，波兰国王在他那儿订做了12把小提琴，还让自己的宫廷乐指挥亲自到克里莫纳等待成品，结果斯氏三个月就完工，国王成功验收全部12把小提琴。
到底什么成就了斯氏琴独一无二的卓越品质呢？每个专家都有自己一套的说法。是由于漆涂料吗？有的人很肯定地说斯氏用的漆涂料中有秘密配方，而斯氏已把这一处方带入了坟墓，现已失传。另一些人否认这一说法，认为斯氏所用的油基（oil－based）涂料配方在他所住的地方每个制琴师都在用，而且现在已经可以用化学性分析把它调到最完美状态。那么是因为木料吗？一方说斯氏早在砍树之前就从本地或是国外森林选择上好的枫木和云杉木，并用特别的秘密方法予以保存。另一方说现在要获得同样的好木料并不难，而且现在也可以模仿旧时处理和保存木料的方法。其他的说法还有很多：有说是因为琴背的弧度；刨制木料时优雅、精巧的厚薄过渡；f孔的雕刻；共鸣箱内低音梁和音柱的摆放位置等等。所有这些推断都服从于谨慎的现代测量学和声学分析，这样说来，一模一样的复制品完全可以制造出来——实际上也确实有人复制过了。 那么又如何解释在这些上好的木料、漆涂料和填充物竟然经过两个世纪的风雨后——这个过程却很难复制了，也没有苍老的痕迹呢？更莫论演奏家对其所做的损害了。有的人说没错，这就是成就斯氏乐器杰出的、独一无二的声响的原因，因为这种来自古老远方的声音让人感觉仿佛一群带有光环的小天使就在被演奏的斯氏琴上被惊醒。当然又有另一些人说这不是关键，因为有很多古老的提琴不见得有多好的音色。无论是什么要素成就斯氏制造出一代名琴并成就了它们的天价，这些因素都可以再次用于与斯氏同时代的名制琴师瓜纳里身上，令人瞠目结舌的是，这两位制琴大师竟然是邻居。
瓜纳里（他制造的琴“瓜纳里·德·耶稣”前的“耶稣”来自他为琴所贴的标签上的耶稣标志）比斯氏年轻50多岁，没有后者那么多产，也没有他那么谨慎的作风，但是瓜氏也创造了一批与最好的斯氏琴同样难得、同样为其力量感和音乐表现力所著称的乐器。瓜氏是一个小提琴制造者协会（clan）中的成员，他们的屋子坐落在克里莫纳的圣多明尼哥（san domenico）广场上，离斯氏的住所只有一屋之遥。而这隔开斯氏和瓜氏的屋子里住的正是斯氏最好的学生卡洛·贝尔甘茨（Carlo Bergonzi），他造的琴在今天市场上也是高价之物。这样的情景就像我们看到达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔都住在同一条街上一样奇妙。可事情还没完，就在街的尽头的拐角处，一边住的是法兰赛斯科·罗吉尔里（Francesco Ruggieri），也是一个著名的弦乐制作家；另一边住的竟是斯氏的老师阿玛蒂！斯氏和瓜氏是17、18世纪的小提琴制造家里最闪亮的两颗巨星，他们在克里莫纳（Cremona）的住处被人偶然发现后，所有在那段时期在他们住所制作的弦乐器都沾了光，全被冠以“Cremonese”的名号。 斯氏琴和瓜氏琴在现代被小提琴家尊崇的程度是惊人的。帕尔曼，梅纽因，马友友，慕特，美岛莉（Midori）和富克斯（Joseph Fuchs），1995年，这些世界著名的专业演奏会提琴家们用的都是斯氏琴（梅纽因还有一把瓜纳里·德·耶稣）；海菲兹和斯特恩、祖克曼偏好于瓜纳里·德·耶稣，即使这样，海菲兹和斯特恩同时也拥有斯氏琴。现存的耶稣瓜纳里只有250－370把（另一说认为其数目约为斯氏琴的一半），他们之中的极品与斯氏琴一样天价。 但是，并不是所有的斯氏琴都具有斯氏琴的品质，瓜氏琴也一样，加上瓜氏家族另外还有四个同名的制琴师。因此，他们也不全是过百万的天价。在现存的700把斯氏琴中，只有大约50把达到演奏会品质标准。其他的都有不同的瑕疵——有的有裂缝，有的换了新琴背或琴腹，有的被粗糙的手工者修补过。事实上全部这些斯氏琴都在某个程度上被修改过，然后提供给某一提琴家使用，他们可能为了增加了琴的的力量感而换上了更长的指板，更大的低音梁，或是加固了琴腹。有些改动是精巧的，但更多的改动是粗暴而猛烈的。就是这样，斯氏琴的价值因这些或那些因素而形成很大的价格幅度。
最广受欢迎的是一批在斯氏所谓的“黄金时期”，大约是1700年至1725年左右所造的琴。有几个特殊的年份是让收藏者特别兴奋的。譬如1716年被认为是斯氏最好的几把琴出产的年份。但也有人这么说，“实际上任何时期的斯氏琴，如果只有10把在市场上流通，那么最便宜的一把也不会低于500万美金。”有的音乐家认为瓜纳里小提琴比斯氏琴稳定，所以更有力量感而且更易演奏。另外的一些则认为斯氏琴拥有更多层次的音色，但都承认需要更高的能力才能奏出最好的斯氏琴效果。 在斯氏一生中有甚多的皇家主顾，绝不止前文提到的波兰国王一人。斯氏不是那种生前被埋没，死后才声名远播的天才，他的商业成就被同时期的人所认为是最好的。1682年，一个叫米舍勒·蒙茨的威尼斯银行家向斯氏订做了一整套乐器，用来进献给英国国王詹姆斯二世（可惜这一套乐器现已不存）；西班牙国王查理斯三世也让斯氏为他的管弦乐队做了六把小提琴，两把中提琴和一把大提琴。无数的贵族和高级教会订做斯氏琴，一些极富有的主顾愿意用最好的filippo（一种那时用于意大利Lombardy的银币）来交换斯氏的作品。另一方面，斯氏的富有和吝啬在当时的克里莫纳是如此出名，以至于现在当地还有谚语说“像斯特拉迪瓦里一样富有”。
关于斯氏的生活细节人们所知甚少。克里莫纳当然把他视为己出，而这里也是我们知道的他唯一的居住地，奇怪的是，无数的学者搜遍这一城市及其周边小镇过往的人口登记表和早已发霉的教区注册表，却无法发现斯氏出生和洗礼的记录，他们甚至对斯氏父母的身份也产生了怀疑。 像莎士比亚一样，斯氏一生创作出很多杰作，但只留下极少的私人文件。他的生命好像就只有工作，而学者也只有从他的作品中才能推断出他生活的只言片语。 斯氏是一个永不停顿于实验的工作狂，从他的无可比拟的优美、精细、大量而无一相同的作品中可以肯定，他绝对是个完美主义者。
没有文件在手，一个通用的说法关于斯氏的出生就是1644年。这是由他最后20年的作品中发现的，斯氏当时显然很为自己的长寿和旺盛的精力而骄傲，以至于他在琴的标签上写上了自己的岁数。第一次这么做应该是在1727年，他在标签上写着“83岁”。就是这种蛛丝马迹让人推断出他生于1644年的。 1660年至1665年间，也就是斯氏16至20岁时，他已经拥有自己独有的印刷标签了，这说明他在几年内已经成长为一个非常出色的学徒，并且随时可以自己去寻找主顾，卖自己的琴赚钱了。但是由于17世纪60年代－70年代的斯氏琴现存甚少，所以一般假设是他很可能是作为阿玛蒂的雇员为他工作了近20年，直到恩师于1684年以88岁高龄逝世之后，他才开始自立门户。
随着年龄增长，斯氏的产量似乎是年年递增，同时他的小提琴板面渐宽，看起来越发结实，漆涂料颜色也愈来愈深。直到他生命的最后几年，斯氏的琴才开始显现出造琴者的衰老。音洞的雕刻有点颤动，不规则的镶边表明他的手开始颤抖（这里的镶边指的是镶嵌在琴腹和琴背边缘的一条条的染色后的枫木，一般用于使乐器更惹人喜爱，而更重要的作用是避免提琴受震动时，其外边缘被碰裂）。一个f洞的位置比1736年他92岁时制造的一把提琴高了1/16英寸，这明显说明了他的视力正在衰退。另一把1736年提琴上则有明显的的磨砂纸痕迹。值得一提的是，斯氏只是物理上身体的灵敏度下降。他的小提琴的形式和构造一点都没改变。
对于斯氏来说，每一把小提琴都是他进行一次实验的机会，无论这是一次大实验与否。尽管有的只有很少的差别，斯氏的琴桥下的弧度和琴背上的弧度几乎没有一次相同；同样f洞漩涡的厚度也在改变，还有C弦、把位、琴边和琴转角位的形状也都在改变。对于斯氏来说，一旦全部大约78件零件组合在一起，他们就成为了一把拥有独一无二声音的小提琴、中提琴或大提琴。约翰·荷西在他1991年的一部讲述一把斯氏琴的游历的虚构故事的小说“Antonietta”中如是说，“如果你的女高音的甜美唱腔与你曾听到过的任何一把嗓音是一样的话，千万不要选她”。众所周知斯氏因一生造琴而扬名，可是他的琴在当时却并不是最受音乐家欢迎的。 然而从19世纪开始，斯氏琴由于其多变而深刻的表现力，其响度和闪亮的音色开始被室内乐沙龙和大型交响乐大厅所重用。而斯氏至高无尚的制琴大师的地位也终于被确立——乐器的需求量开始激增，而属于它们的罗曼史和各种神秘的故事也就陆续发生了。事实上现存所有的19世纪之后的斯氏琴都拥有自己独特的的名字。
勃拉姆斯
2006/1/18 琴·tips世界上最昂贵的具有收藏价值的名琴，主要指17至18世纪的阿马蒂斯特拉迪瓦里和瓜纳里几家意大利提琴制作 家族制作的提琴。斯氏琴世界上仅存300多把，瓜氏琴现存47把，每把琴价值在200至400万美元之间。同时代同级 别的作品中，法国手工制琴价位是意大利同类琴价值的一半，德国的琴都是工厂制琴，其价值不及意大利琴的1/4 。在收藏者眼中，作为收藏品的名琴其价值不在于乐器的使用价值，而是作为一件艺术品的艺术价值和它的增值潜 力。名琴在外观造型、制作材料、工艺、油漆等方面都十分考究，而声音品质并非体现其价值最重要的因素。名琴 的商品价值的依据主要是制作者的声望，其次是保存的状态。先后使用、收藏的艺术家也构成了一把琴的历史，成 为它的增值点。提琴一般被认为是增值较快的艺术品。1978年文化部以12.5万美金买进4把小提琴，其中一把3.5万 美金的意大利琴今天已增值到25万；一把2.8万美金的法国琴今天增值到8万。一个制琴家做学生时的提琴作品价值 1000至2000元美金，而几年后成名的作品价值可增长10倍，所以，不少收藏者很关注有潜质的年轻制琴师。
规模比较大，如美国大都会图书馆所属的博物馆收藏了许多名提琴，法国巴黎音乐学院成立了一个巴黎乐器博物馆 ，收藏了14把意大利斯特拉迪瓦里名琴。这个新建的乐器博物馆具有现代化的设备，每件提琴藏品都附带一个录音 机，观众在参观一件藏品的同时也能欣赏到用这把琴演奏的乐曲，从而对名琴有一个全面的认识和了解。意大利克 雷莫那的斯特拉地瓦里博物馆专门收藏历届国际提琴制作比赛的获奖琴。欧美各大的博物馆、著名音乐学院一般都 有名琴收藏。私人收藏根据财力大小规模不同，收藏最多者可拥有200—300把提琴。如美国的一个牙医收藏了状态 极佳的一把斯特拉地瓦里小提琴，一把瓜纳里小提琴，堪称极品；韩国的一个公司老板也收藏了多把意大利小提琴 。不少世界级小提琴演奏家也是提琴玩家，如意大利小提琴大师阿卡多手里有一把意大利琴“火鸟”，价值不菲， 他既用来演奏也作为收藏品。财团买琴是为保值，私人收藏琴也是为了增值，政府收藏多是显示一种文化品位和政 府形象，博物馆收藏则是一种文化的保护、宣传和展示。 提琴的制作和收藏之所以被人们称之为“琴文化”，是指提琴发展的文脉和沉淀。所谓一种文化，是有源头、 不断延续并继续发展的一种现象；它是时间的累积，记录了很多人的艺术奉献。“文化”的概念就是一条链，一条 河，是一种延续。“琴文化”是在艺术家对小提琴不断研究、有师承、有创新、有发展，出现代表人物、出现作品 、形成流派的历史发展过程中形成的文化。
。一是能以上百万美金买一把琴的中国收藏者寥寥无几；博物馆收藏财力也有限，大多投资到文物、书画等方面， 少量的乐器收藏也仅限于民族乐器，提琴收藏的历史等于零。二是大多数国人对于提琴收藏的文化属性还没有认识 ，因此很少有人能具备一定的文化眼光投资于提琴收藏。我们现在还没有形成一个对琴文化有认识、对提琴收藏有 欣赏能力和鉴别能力的群体。只有当大家都懂琴，才具备收藏的基石。乐器收藏是一个长时间的积累，需要在学习 知识理论的同时不断接触实物，培养感性的经验。目前在中国尚不具备这样的环境和氛围，没有机会接触到很多名 琴，因此对提琴鉴定人才的培养还有一个漫长的过程。 小提琴自学者必备（仅供参考）外在条件： 内在素质：
说起入门教材，一般首当其冲要讲霍曼和铃木。霍曼的教材讲一把位的东西竟用了100多页，然后飞速地跑到了七 把位戛然而止，铃木的程度和进展也大致如此。但从所选曲目来说，铃木要更经典一些，至少和我们业余考级教材 4级前的内容相近，可以推断考级教材参考了铃木很多。霍曼的选曲对于中国人来说熟悉的就少了，对于我来说， 不熟悉它也没什么遗憾。霍曼对于中国50岁以上的小提琴教师来说，都有一种深厚的感情，讲课也愿意讲它，但对 于今天的学琴者来讲，似乎已经过时了。铃木的优点是让你不知不觉地兴致盎然地学会了小提琴，对不懂乐理的孩 子非常有效果。这也看出小鬼子的确很"鬼"。但铃木教材需要适当地辅导，对于成年人刨根问题的偏好有点不解渴 ，而且铃木里没有一首中国的曲子。 总的来说，霍曼和铃木相比较，我推崇铃木。铃木在上世纪70年代以来对中国，乃至世界的小提琴的教学影响甚大 。至今我看到国内的一些教材对铃木都有所借鉴。比较好的是邵光禄的《少儿小提琴集体课教程》和《少儿小提琴 集体课技能训练》。这套教材可以说是作者多年教学实践的总结，不但吸收了众家之长，而且很接近中国孩子。中 外乐曲和部分考级曲目都有所涉猎。两本书互为补充，学完后可达到4级左右程度。再好一些的有赵薇的《学琴之 路》系列和林耀基、杨宝智的《小提琴入门与提高》三册书。张世祥、梁大南、李本华（铃木的学生）、曾民信、 李贵武等人的教材也相当不错。此外，还有我原来推崇的黄健《跟我学小提琴》、尹兴雅的《小提琴速学新法》、 盛中华的《小提琴演奏与练习》，以及业余考级教材等。应该说这些中国人编的教材都能使成年爱好者入门，也未 必一定要使用铃木，更别提霍曼了。当然确定一本书后，一定要考虑是否有相应的音像材料。不管有无老师，有录 音录像会有非常大的助益。 那么达到了4级、5级左右的程度，往后怎么办？可以说如果一本教材把基本技术大都介绍了之后，往后也没什么可 讲的了。我以前也总以为教学大师会讲什么更高深的东西或秘诀之类，去读弗莱什、加拉米安的大作，听国内大师 的讲座。就发现这些里程碑式的著作说的都是基础的东西，也发现就算是林耀基这样大师级的人物，也是不管讲什 么，都是使用他基本的理念、基础的知识去解构难题。还有林朝阳，他曾经在讲完基础技术时说过一句话："现在 你们已经和我一样了，都是在不同层次上研究怎样克服复杂的问题"（大意）。因而我想会了基础技术之后，剩下 的应该就是把基本技术运用到高难的乐曲里，这要靠的是一个学习者的头脑和毅力。这需要几个拐棍或者像梯子一 样的东西，那就是开塞、马扎斯、小顿特、克莱采尔、大顿特、帕格尼尼等。 如果把小提琴演奏艺术的体系画一个图表，我想应是一个一个正方形里面一个正三角形。正三角形代表技术，方形 内其他的部分代表音乐。越是初期的学习，技术越重要，甚至是占整个正方形的底部，渐渐地技术的因素就少了， 音乐的部分增多。技术三角形的顶尖大概就是帕格尼尼了，但也只是技术的细枝末叶，一般人不掌握它也可以是一 株大树。在这个体系里，技术是有限的，音乐两倍地大于技术。但音乐不会无穷大，它也有局限性，它永远不会把 整个世界都表达出来，因而我还是用方块限定它。 如果让我编一本完全针对成年人的小提琴教材，也很容易，但它只适合我和类似我的人，不可能适合任何成年人。 总而言之，成年学琴者尽可能多地占有教材，从中找到适合自己的东西，老师也是如此，都有个自己编教材的类似 备课过程。如果一个老师死抱定一本霍曼，其他的都不涉猎或不准学生涉猎，我看学生还是辩证地否定他罢。在一 本书中碰到困难过不去，就找其他书绕过去，回头再克服它。我们可以想象一个披荆斩棘的开路者，为了通向山顶 ，决不会开一条笔直的道路。在盘旋上升的过程中，学琴亦是其乐无穷的事。 2005/12/18 Lacrimosa
2005/12/3 以摇滚的名义12月31日（星期六）2005年最后一场“大型”Party 05年的最后一天（12月31日），新豪运酒吧集结十多支各种风格的优秀原创摇滚乐队一同庆祝新年的到来，这样的Party怎么会少了你呢？快来吧，让我们在05年最后一次以摇滚的名义“聚在一起”，当晚还会在12点钟的时候燃放烟花，抽取大奖，庆祝新的一年的到来。 乐队： 痛苦的信仰 脑浊 扭曲的机器 SUBS 零壹 1979 沙子 CMCB 窒息 液氧罐头 灵迹 玛雅 匹诺曹
2005/11/19 法國電影《蝴蝶》主題曲法國電影《蝴蝶》主題曲 ---------  小女孩：“為什麼鴨會下蛋？” 老爺爺：為了蛋都變成小鴨。 小女孩：“為什麼情侣們要親吻？” 老爺爺：是為了鴿子們咕咕叫。 小女孩：“為什麼漂亮的花會凋谢？” 老爺爺： 因為那是遊戲的一部分。 小女孩：“為什麼會有魔鬼又會有上帝？” 老爺爺：是為了讓好奇的人有話可說。 小女孩：“為什麼木頭會在火里燃燒？” -老爺爺：是為了我們像毛毯一樣的暖。 小女孩：“為什麼大海會有低潮？” 老爺爺：是為了讓人們說：“再來點”. 小女孩：“為什麼太陽會消失？” 老爺爺：為了地球另一邊的裝飾 小女孩：“為什麼會有魔鬼又會有上帝？” 老爺爺：是為了讓好奇的人有話可說 小女孩：“為什麼狼要吃小羊？” 老爺爺：因為他們也要吃東西。 小女孩：“為什麼是烏龜和兔子跑？” 老爺爺： 因為光跑没什麼用. 小女孩：“為什麼天使會有翅膀？” 老爺爺：為了讓我們相信有聖誕老人。 小女孩：“為什麼會有魔鬼又會有上帝？” 老爺爺：是為了讓好奇的人有話可說 === 老爺爺：你喜歡我們的旅行嗎 小女孩：非常喜歡 老爺爺：我們看到了很多漂亮的東西，不是嗎？ 小女孩：可惜我沒能看到蟋蟀。 老爺爺：為什麼是蟋蟀？ 小女孩：還有蜻蜓。 老爺爺：嗯，也許下一次吧。 小女孩：我能問你點事情嗎？ 老爺爺：又有什麼事？ 小女孩：我們繼續，不過由你來唱？ 老爺爺：絕對不可以。 小女孩：來吧。 老爺爺：不，不，不。 小女孩：這是最後一段了。 老爺爺：你是不是有點得寸進尺了呢？ ====== 老爺爺：為什麼我們的心會“滴答”？ 小女孩： 因為雨會發出“淅瀝”聲 老爺爺：為什麼時間會跑得這麼快？ 小女孩：是風把它都吹跑了。 老爺爺：為什麼你要我握著你的手？ 小女孩：因為和你在一起，我感覺很溫暖。 老爺爺：“為什麼會有魔鬼又會有上帝？” 小女孩：是為了讓好奇的人有話可說。 柴科夫斯基第一钢琴协奏曲 这首钢琴曲，是柴科夫斯基在创作歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》之前的重要作品之，初稿在1875年初写出，后来在1880年和1893年间，作者又吸引许多演奏家的意见，进行两次修改才最后定稿。这首钢琴协奏曲的遭遇，同作者的《D大调小提琴协奏曲》有很多相似之处，它也不是一开始就能获得公众的承认的。原先这部作品题献给尼古拉·鲁宾斯坦，但是平素对音乐艺术界一切有价值的新事物总是十分敏感的鲁宾斯坦，这一回对柴科夫斯基在钢琴协奏曲体裁方面的第一次尝试，却持否定态度。于是，柴科夫斯基把他的题献一度改为献给塔涅耶夫，到最后才确定献给德国钢琴家封·彪罗（H·Von Bulow,1830-1894）。1875年10月间，当彪罗到美国巡回演出时，在波士顿首次演奏这首作品，获得很大的成功。同年，在彼得堡和莫斯科又相继演出这部作品，当时才十九岁的塔涅耶夫的钢琴演奏还得到了作者的很高评价。 柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》是一部最通俗的协奏曲，但就其构思之宏伟和作品的规模而论，它可以称为用钢琴和乐队演奏的一部交响曲。这部作品反映出作者对生活的热爱和对光明与欢乐的热望，它的基本形象深具民族特点——作者在这里引用了一些真正的乌克兰曲调，同时也特别鲜明地表现出作者的协奏曲的一些特点，那就是巨大的力量、宏伟的规模同真诚率直的抒情性的结合。这部作品的思想内容和艺术形象之丰富，它的主题的多样和对置，紧张地发展的乐思所具有的内在的巨大力度，都是它那激动人心的魅力所在，正也就是这些特点，使得这首协奏曲在作者生前就已广泛流传，欧美各国音乐会舞台时常有各种类型的钢琴家演奏它，作者也经常把它列入自己的交响音乐会曲目，多次亲自指挥这部作品的演出；到1878年，尼·鲁宾什坦终于也理解到这部作品的优点和价值，并出色地演奏它，从而也使这部作品更加牢固地确立它在音乐会舞台上的地位。 柴科夫斯基承继并发展了源自贝多芬的协奏曲交响化的进程，他使乐队在协奏曲中发挥了非常巨大的作用，同生活或大自然等观感密切相关的形象的发展大都委托它，而关于个人的抒情因素则主要曲独奏乐器来体现；这两种力量相互策应，协同动作，从不削弱任何一方。柴科夫斯基采用古典协奏曲的三乐章结构：他让最交响化的第一乐章起主导作用，用它来确定整部作品的特点；至于第二乐章，乃是交响曲当中两个乐章——抒情的慢板乐章同诙谐曲乐章的有机结合；而最后乐章则为全曲作出同前面两个乐章相适应的、合乎逻辑的结论。 第一乐章用奏鸣曲形式写成，它的音乐光辉灿烂、富丽堂皇，色彩变化多端，丰富的想象力获得了充分的发挥，所有这些都是很多协奏曲所难匹比的。乐章从一长段引子开始，在这里，可以听到全乐队的四小节强奏，其中法国号的音响特别突出。接着，第一小提琴和大提琴用它那温暖的声音庄严地奏出这段引子的基本主题，钢琴用大量洪亮的和弦伴随着它。这个主题气息宽广，宏伟有力，充满着一种炫目的光辉，具有俄罗斯民歌旋律的特征，它是一支庄严壮丽的生活颂歌，是继贝多芬之后的另一首新的《欢乐颂》。与此同时，钢琴遍及它的整个音域的活动，它那来严厉有力的音响，矫健的步调，创造出一种情绪饱满而和谐的背景；钢琴在这里虽然只是处于陪衬主题的地位，但是，它充分发挥了作为一种独奏乐器的主导作用，即使在整个乐队的全奏中，它的音响依然十分清晰、嘹亮和雄浑有力。 像柴科夫斯基的一些交响曲主题结构一样，这个主题由于反复三次，有点像三段体曲式。这主题第一次在乐队中陈述之后，第二次改由独奏钢琴奏出，它的发展由于引进一些新的旋律素材，具有即兴演奏的意味，反映出一种悲壮的戏剧性，最后还用一小段华彩独奏的带点附点节奏的宏伟和弦伴随之下，更加光辉、更加紧张地复奏这一主题，并结束主题本身的发展。值得注意的是这段引子具有相对独立的意义，它一直保持在D大调中，而且它的主题后来在整个协奏曲中从未再出现过，不过，这段引子一开始就创造出一种强有力的气息和宏伟的规模的感觉，它像一首序曲一样预示着随后的剧情内容，在这一方面，它同整个作品又是息息相通的。 从引子转到奏鸣曲本体之间的过渡，起先是在近乎寂静之中出现一个小休止，后来钢琴奏出一些断断续续的音型，宛如嗫嚅私评语一般，忽然，呈示部的第一主题呈现出来了。 这个主题原来作者在卡明卡村听到的乌克兰民间弹奏里拉的盲歌手所唱的一支哀怨的曲调，但是在这里它起了深刻的变化：柴科夫斯基并没有改变这支旋律的音调结构，只是把这支悠缓的叙事性曲调纳入一个出奇的节奏型，即在每一个三连音当中插进一个休止符的做法，从而把一个主要是抒情的形象变成飞也似地进行和精力充沛的诙谐形象，简直就无从认出它是直接从民间旋律转化出来的——柴科夫斯基发展主题的想象力和胆识，由此可见一斑。乐章的第二主题是这一乐章的抒性的中心，充满温暖而诚挚的感情，它包含有两支互为补充的旋律，同前面出现过的主题素材形成鲜明的对比：第一支旋律是对幸福的向往，接着钢琴再加以复奏；第二支旋律同样温柔而抒情，但非常明朗，并没有丝毫困惑的神情，它那轻盈摇动的音型显然同第一支旋律同出一源。 乐章的发展部主要发展乐章的第二主题。在这里，这支温柔的“慰安之歌”有时变成英勇的号召，钢琴像急流一般的双八度的大段进行，加强了音乐的英雄性因素；有时它那忧郁的疑问式动机经过不断的模进发展而引入戏剧性高潮；乐队与钢琴之间的激烈竞争在开展着，主题的变化达到了不可复识的地步。最后，在再现部中，乐章的一些基本主题都有很大的变化，靠近乐章结束处的一大段华彩乐段，不但展示了钢琴演奏的卓越技巧，同时也为整个乐章的音乐的发展作出了总结，集中表达出这一乐章的意志力和激情的力量。抒情的静观突然为愤怒的爆发所驱散，戏剧性情绪的浪潮在急剧发展，但在后来又为一个新的抒情插句所替代。最后，尾声的音乐活力充沛，它以其急速奔驰的音流，辉煌地结束这“钢琴交响曲”的第一乐章。 第二乐章是介乎前后两个乐章之间的一首抒情间奏曲，它的音乐怡神悦耳，具有温雅朴质的田园风味。乐章的基本主题是一支具有民歌气质的优美动听的旋律，体现了人对大自然形象的静观和省察，反映了人同大自然永远相亲的感情。这个主题在整个乐章中共反复六次——在乐章第一大段中由独奏长笛、钢琴、两个独奏大提琴和独奏双簧管轮流演奏四次；在最后一段主题重现时又由钢琴和双簧管复奏两次。这主题的反复有五次几乎一成不变，只有乐器音色的变换而已，还有，伴奏笔法每次都在变化：有时是旋律性的对位，有时使用柔和的切分和弦，有时钢琴的轻快的银铃般的和弦充当活跃的背景；主题只是在最后一次陈述时，它的旋律才有所变化。 这一乐章的曲式近似三段体结构，但是在第一大段基本主题的四次反复中，穿插进两个其他的主题（一个是在钢琴的不同音区中传递的诙谐性主题，另一个是在十六分音符的进行背景之上的法国号独奏），因此又具有回旋曲的一些特点。乐章中段是一首快速度的圆舞曲，取材于一首古老的法国民歌，它的旋律非常简朴、几乎近于原始，即由同一类型的动机不断反复构成。这时候弦乐器组演奏这支旋律，钢琴则在其上用一些轻松愉快的音调作为一种华丽而戏谑的伴奏；在这里，音乐的节奏和情绪都发生变化，同前一段恬静安适的音乐适成对比，具有奇幻飘渺的特点，好像闪现出对过去的明朗回忆一般。 最后乐章是一首欢乐的颂歌，是充满元气和生命力的表现，乐章中出现的一些形象，全都在同一个明朗、乐观的氛围中活动。这一乐章用回旋奏鸣曲形式写成，乐曲的基本主题在乐队奏出的一段简短的引子之后由独奏钢琴奏出，这个主题选自乌克兰民间的一首春季歌曲，其中同一个音型的三次反复，是很多乌克兰歌曲所共有的一个特点。<BR><BR> 像第一乐章的乌克兰主题一样，柴科夫斯基也赋予这个主题全新的特点：他用断音奏法的枯干音响、和弦式的织体，以及像小伙子的踏步效果，借以强调表现出这一乐章的狂放活泼的舞蹈性特点和毅力。同这一主题相呼应，或者说，作为这个主题的补充，在乐队全奏中出现另一个节奏相同的新主题，但移到G大调上，它的效果就像继某些声部的歌唱之后，出现合唱的大声应和一样，音乐的进行生气勃勃，活力充沛，栩栩如生。接着，在一个简短的连接句之后，乐章的第二主题先后由小提琴和钢琴奏出。这个主题步调平稳、安详，开始时从进行中可以感到它的威力还有所抑制，只是在后来才把它所蕴藏的全部欢乐表达出来。 乐章的这两个主题，一个急速有力，充满无尽的表现力，另一个虽然比较平静，但逐渐也转换为胜利的步调，发展成为对生活的狂喜赞歌。这两个主题互相对比，互相补充，共同表达这终曲的明朗而乐观的基本思想。最后，尾声的音乐更是高潮迭现，其雄浑的气势，其亢奋的情绪，其辉煌的效果，都是前所未有的。 《第一钢琴协奏曲》在柴科夫斯基早期的大型作品中，是真正开朗的情绪和乐观主义的深刻体现，它称得上是十九世纪俄罗斯钢琴音乐的一个顶锋，也是上一世纪欧洲音乐艺术中最有天才的创作之一。 贝多芬第五号钢琴协奏曲贝多芬：第五号钢琴协奏曲（皇帝）（降E大调）
降E大调，第五号钢琴协奏曲《皇帝》，本曲是贝多芬所有的钢琴协奏曲作品中，规模最为庞大的一部，故常被人称为《“皇帝”协奏曲》。而事实上，本曲也确实具有堂堂王者风范。但是“皇帝”这一标题并不是贝多芬自己命名的，也不可能和某一位特定的“皇帝”有关，公认的说法是由于本曲在当时被誉为无可争议的“协奏曲之王”，故此得名，并沿用至今。在本曲中，作曲技巧炉火纯青的贝多芬，又设计出众多崭新的思路，整部作品在工稳的结构中蕴含着壮阔的波澜、变化无穷的旋律，尤其以主奏钢琴的花奏开始的第一乐章，一开始便给听众以极端宏伟、华丽的印象。
贝多芬自1808年开始着手创作此曲，并于第二年完成。当时由于拿破仑率领法军占领了维也纳，使得本曲迟迟不能上演。据说在法军四处作乱的时节，贝多芬曾遇见法军军官，他当即握紧拳头，咬牙切齿地说：“如果我对于战术也像对对位法一样有深入了解的话，非给你一点颜色看看不可! ”直到1811年，本曲才在德国的莱比锡得以首次公演。当时的音乐杂志《大众音乐报》曾这样评价本曲：“毫无疑问，这是所有已经创作出来的协奏曲中最富创造力、最富想象力和最引人注目的作品，同时也是在技巧上最为艰深的一部。”
全曲共分三个乐章，其中第二、三乐章连续演奏：
第一乐章 快板，降E大调，4/4拍子，协奏风奏鸣曲形式。 主奏钢琴即以花奏方式弹奏出分解和弦，进而引出了管弦乐部分演奏的乐章主题，非常简洁而又华丽绚烂， 此处可以看出贝多芬的作曲手法之精致。乐章经过高潮之后，在极强的兴奋状态中结束本乐章。
第二乐章 稍快一些的慢板，B大调，4/4拍子，自由的变奏曲形式。和传统的钢琴协奏曲第二乐章一样，本乐章同为优美的徐缓乐章。乐章的主题似牧歌般悠扬、恬静， 经过管弦乐部分对主题的充分演绎之后，主奏钢琴像编入万千光彩的绵绵音乐一般，持续奏出这一祈祷性的、淳净恬美的主题。
第三乐章 回旋曲，快板，降E大调，6/8拍子。在第二乐章逐渐减弱之时， 主奏钢琴就开始反复轻轻提示出第三乐章的主题，突然主奏钢琴以爆发般地，以无比猛烈的威力奏出辉煌的主题，标志着全曲进入了第三乐章。旋即由管弦乐对这一主题予以反复。主奏钢琴继而导出曲折的新主题，交响曲和协奏曲交相辉映，手法精致绝伦，充分反映出贝多芬超人的写作技巧。乐章结尾时速度再度转快，作最后冲刺的主奏钢琴猛然跃起，最后由管弦乐部分强而有力地结束全曲。 2005/11/17 耳机的基本知识大家知道，音响器材的声音走向在一定程度上能代表该民族的审美趣味，所以有英国声、美国声、意大利声、丹麦声、日本声等种种风格的存在。耳机领域里也是如此。我把听过的多种不同风格耳机归纳为三种学派：
一、耳机是如何分类的？ 1、按换能原理（Transducer）分
主要是动圈（dynamic）和静电（Electrostatic）耳机两大类，虽然除这二类之外尚有等磁式等数种，但或是已被淘汰或是用于专业用途市场占有量极少，在此不做讨论。 动圈耳机原理：目前绝大多数（大约99%以上）的耳机耳塞都属此类，原理类似于普通音箱，处于永磁场中的线圈与振膜相连，线圈在信号电流驱动下带动振膜发声
2、按开放程度分
主要是开放式、半开放式、封闭式（密闭式）。 （1）开放式：一般听感自然，佩带舒适，常见于家用欣赏的HIFI耳机，声音可以泄露、反之同样也可以听到外界的声音，耳机对耳朵的压迫较小。
3、按用途分
主要是家用（Home）、便携（Portable）、监听（monitor）、混音（Mix）、人头唱片（Binaural Recording）
二、耳机相关参数
阻抗（Impedance） 灵敏度（Sensitivity） 指向耳机输入1毫瓦的功率时耳机所能发出的声压级（声压的单位是分贝，声压越大音量越大），所以一般灵敏度越高、阻抗越小，耳机越容易出声、越容易驱动。 频率响应（Frequency Response） 频率所对应的灵敏度数值就是频率响应，绘制成图象就是频率响应曲线，人类听觉所能达到的范围大约在20Hz-20000Hz，目前成熟的耳机工艺都已达到了这种要求。
三、音质评价术语
音域：乐器或人声所能达到最高音与最低音之间的范围 音色：又称音品，声音的基本属性之一，比如二胡、琵琶就是不同的音色 音染：音乐自然中性的对立面，即声音染上了节目本身没有的一些特性，例如对着一个罐子讲话得到的那种声音就是典型的音染。音染表明重放的信号中多出了（或者是减少了）某些成分，这显然是一种失真。 失真：设备的输出不能完全复现其输入，产生了波形的畸变或者信号成分的增减。 动态：允许记录最大信息与最小信息的比值 瞬态响应：器材对音乐中突发信号的跟随能力。瞬态响应好的器材应当是信号一来就立即响应，信号一停就嘎然而止，决不拖泥带水。（典型乐器：钢琴） 信噪比：又称为讯噪比，信号的有用成份与杂音的强弱对比，常常用分贝数表示。设备的信噪比越高表明它产生的杂音越少。 空气感：用于表示高音的开阔，或是声场中在乐器之间有空间间隔的声学术语。此时，高频响应可延伸到15kHz-20kHz。反义词有“灰暗（dull）”和“厚重（thick）”。 低频延伸：指音响器材所能重放的最低频率。系用于测定在重放低音时音响系统或音箱所能下潜到什么程度的尺度。比方说，小型超低音音箱的低频延伸可以到40Hz，而大型超低音音箱则下潜到16Hz。 明亮：指突出4kHz-8kHz的高频段，此时谐波相对强于基波。明亮本身并没什么问题，现场演奏的音乐会皆有明亮的声音，问题是明亮得掌握好分寸，过于明亮（甚至啸叫）便让人讨厌。 1、一般的放大器可分为晶体管（石机）和电子管（胆机）放大器两类 2、放大器：前置放大器和功率放大器的统称。
3、放大类型
甲类放大（class-A） ：也称A类放大。为放大器的一种工作状态。此时晶体管或电子管放大器将会对整个的音频信号进行放大。
4、关于耳机线材：
大多数耳机线都以铜为原料，一般的纯度(一般用几N表示，比如4N、6N……）越高导电性越好，信号失真越小，常见的有： 5、关于前端器材：
许多发烧友习惯将唱机分离成转盘和解码器两部分以得到音质更好的音乐。 前端：多指声频系统中的信号源，如LP密纹慢转唱机或CD唱机，有时也指调谐器（收音头）中处理从无线接收到的信号的前级。
音色，是一种描述乐器发音品质的术语，由于每种乐器都有自己的频谱分布特征，因而同一种乐器的发音在不同的音区内，起音感虽然不一定一致，但其音色大体一致。 极高频：
音乐tips "音乐著作之最 "音乐著作之最
1.最畅销的几首乐谱
《故乡的亲人》（1851）、《听那学舌的鸟》（1855）和《蓝色的多瑙河》（1867），它们的销量都超过了24万份。在有版权的乐谱中，销售量纪录最高的是《让我叫你一声“爱人”》（1910年由瓦斯顿和福利·惠曼所作）和《直到再相逢》（1918年由埃肯和瓦尔丁所作），到1967年为止这两首乐谱各卖了600万份。
2.最昂贵的音乐手稿
莫扎特（1756—1791）的九部交响乐手稿，于1987年5月22日在英国伦敦沙斯比拍卖行售出时，标价高达4394500美元，创音乐手稿的最高纪录。这批手稿中包括交响乐第二十二号到第三十号，它们都是1773年至1774年间作者在奥地利萨尔兹堡创作的。当时的莫扎还是个少年。
3.篇幅最大的音乐作品
捷克斯洛伐克作曲家日登内克。菲比赫的钢琴套曲《情绪·印象·回忆》。这部钢琴套曲包含了376首乐曲，如果要演奏这首巨型音乐作品得连续几天才行。据传，某乐团在连续演奏此作品时，竟有几个乐手连续病倒了。
4.中国最早的音乐理论专著
中国最早的音乐理论专著是《乐记》，全书共23篇，现存前11篇，即《乐本篇》、《乐论篇》、《乐礼篇》、《乐施篇》、《乐言篇》、《乐象篇》、《乐情篇》、《乐化篇》、《魏文侯篇》、《宾牟贾篇》和《师乙篇》，其它12篇已失传。此书详细地论述了音乐的本质、特征，音乐与政治、生活的关系。音乐的审美、教育与社会作用以及音乐创作过程等，作者不详。
5.中国最早的民歌集成
据古籍记载，距今约3000多年的周朝就已开始了民歌的集成工作。当时的采集民歌的制度叫做“采风”。各诸侯国专设“采诗之官”，又叫做“行人”，每年春、秋两季出去收集民歌，再呈献朝廷后交乐官保存，除供天子了解“民意“外，每逢祭祀、朝会、宴食、迎宾等场合，还用于演奏、演唱。
6.中国最早的琴史专著
中国第一部琴史专著是《琴史》，它成书于1084年。著者朱长文（1038—1098），字伯原，号乐圃；江苏苏州人。《琴史》共分六卷，一至五卷为琴人传略，以人记事，共收集了先秦到宋代156位琴人的事迹。第六卷论述了《莹律》、《释弦》、《明度》、《拟象》、《论音》、《审调》、《声歌》、《广制》、《尽美》、《志言》、《叙史》十一个专题，体现出他的史学观和音乐美学思想。
7.中国最早记载五线谱和音阶唱名的书
《律吕正义》是中国最早记载五线谱和音阶唱名的书。共分上、下、续、后四编，前三编书成于1713年。上、下二编四卷中论述了乐律、管弦律制、乐器制造等多方面的要点；有关记载五线谱和音阶唱名的部分在续编一卷中，它记述了葡萄牙人徐日升（1645—1708）与意大利人德礼格（约1670—1745）来中国后传入的五线谱及音阶唱名法。后编一百二十卷书成于1746年，记述了各种典礼音乐，并录有有舞谱、曲谱。全书保存了许多明清时期珍贵的音乐资料。
8.中国最早的简谱歌曲集
近代音乐教育家沈心工（1869—1947），就是简谱的积极传播者之一。他编辑的《学校唱歌集》于1904年出版，成为我国国内出版并流行的第一部简谱歌集。
9.中国最早的音乐刊物
李叔同（1880—1942）主编的《音乐小杂志》。该刊第一期除日本人所作的两幅插画和三篇文章外，封面设计、美术绘画、社论、乐史、乐歌、杂纂、词府各栏，均由李叔同以“息霜”的笔名一人包办。《音乐小杂志》的创刊号是在日本东京编印后寄至国内发行的。《音乐小杂志》作为我国最早的音乐刊物，在我国的音乐刊物出版史上占有重要的地位。
10.中国最早出版的钢琴曲集
1919年由商务印书馆出版的《进行曲集》。本世纪初，西洋乐器大量输入，钢琴教学在师范学校、教会学校和一些私人开办的学堂中有了初步的发展。辛亥革命后，学习钢琴的人与日俱增，对钢琴教学的质量要求也越来越高。过去那种初级粗浅的教材已远远不能满足学习者的要求。为了解决当时广大学习者的需求，商务印书馆印了一批外国钢琴曲谱集，《进行曲集》是这批钢琴谱集中最早的一本，也是我国目前所见的最早出版的一本钢琴教
音乐tips "对西方音乐历史影响最大的50部作品"对西方音乐历史影响最大的50部作品 英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》是欧洲重要的古典音乐出版物。它近年每年举行的古典音乐唱片年奖都有很多读者参与。而这个50 Works That Changed Music评选，邀请10位重要音乐评论家，选出对西方音乐历史影响最大的50部作品。这些作品是对音乐发展影响最大的作品，但并不是最优秀的作品，有些甚至不知怎样翻译。但作为音乐爱好者的基本修养我们不妨有机会时欣赏一下这些作品。这50部作品按顺序排列如下： 1、史特拉文斯基：春之祭Stravinsky Rite of Spring 2、华格纳：崔斯坦和伊索德Wagner Tristan And Isolde 3、蒙台威尔第：奥菲奥Monteverdi Orfeo 4、贝多芬：第九交响乐Beethoven Symphony No 9 5、贝多芬：第三交响乐Beethoven Symphony No 3 6、贝多芬：后期四重奏Beethoven Late Quartets 7、德彪斯：前奏曲Debussy Prélude 8、德彪斯：佩利亚斯和梅丽桑德Debussy Pélleas et Mélisande 9、巴赫：平均律钢琴曲集体Bach Well Tempered Clavier 10、华雷西：电离Varèse Ionisation 11、海顿：四重奏Op.33Haydn Quartets Op 33 12、李斯特：B小调钢琴奏鸣曲Liszt Piano Sonata In B Major 13、史托克豪辛Stockhausen Ylem 14、梅西安Messiaen Modes de Valeurs 15、布列斯：无主之锤Boulez Marteau sans ma?tre 16、莫扎特：唐璜Mozart Don Giovanni 17、勋伯格：第2号四重奏Schoenberg Quartet No 2 18、佩鲁天Perotin Sederunt Principes 19、马豪Machaut Mes Notrese Dame 20、韦伯：魔弹射手Weber Der Freischütz 21、莫扎特：第9号钢琴协奏曲Mozart Piano Concerto No 9 22、舒伯特：冬之旅Schubert Winterreise 23、舒伯特：流浪者幻想曲Schubert Wanderer Fantasy 24、伯辽兹：幻想交响曲Berlioz Symphonie fantastique 25、格鲁克：奥费奥和尤尼迪斯Gluck Orfeo ed Euridice 26、勋伯格：皮埃罗.兰尼尔Schoenberg Pierrot Lunaire 27、勋伯格：空中花园Schoenberg Hanging Gardens 28、佩里：达夫尼Peri Dafne 29、萧邦：12首练习曲Chopin 12 Etudes, Op 10 30、海顿：第26号交响乐Haydn Symphony No 26 31、奇爵Cage 4' 33" 32、萨提Satie Parade 33、李斯特：前奏曲集Liszt Les Préludes 34、费德曼Feldman Projections 35、格林卡Glinka Ruslan i Lyudmila 36、贝多芬：后期钢琴协奏曲Beethoven Late Piano Sonatas 37、勋伯格：钢琴组曲Schoenberg Suite for Piano 38、格素多：牧歌第五集Gesualdo Fifth Book Madrigals 39、格林卡：卡马林斯基亚Glinka Kamarinskaya 40、马勒：第六交响乐Mahler Symphony No 6 41、韦伯：小品6首Webern 6 Bagatelles 42、贝格：窝泽克Berg Wozzeck 43、库隆：黑天使Crumb Black Angels 44、莱克Reich Come Out 45、蒙特威尔第：晚祷Monteverdi Vespers 46、史基阿宾：普罗米修斯Scriabin Prometheus 47、艾华西：未答的问题Ives Unanswered Question 48、格什温：朴杰和贝斯Porgy And Bess 49、赫斯特：沙维奇Holst Savitri 50、伯辽兹：夏夜Berlioz Nuits d'été 音乐tips之“中国十大” 一、《高山流水》
此曲最初刊见于我国现存最早的琴曲集《神奇秘谱》。该书在解题中写道：“《高山流水》本只一段，至唐分为二同曲，不分段落。宋代分《高山》四段，《流水》八段。”
二、《广陵散》
又名《广陵止息》。现存琴谱最早见于《神奇秘谱》。据该书编者称：此谱传自隋宫，历唐至宋，辗转流传于后。《广陵散》的题材源于古代的《聂政刺韩王曲》。该作品讲的是一个造剑工匠被韩王无辜杀害，他的儿子聂政为了报仇，以泥瓦匠身份混入韩宫，谋刺失败后，他逃入深山刻苦学琴，十年成绝技再度混入宫中，利用弹琴的机会刺死了韩王，实现了多年的愿望，自己也为此而壮烈牺牲。“广陵”的意思是流传在广陵（今江苏扬州）地区的琴曲，“散”即操、引、曲的意思。
三、《平沙落雁》
明代称本曲为《雁落平沙》。乐谱最早刊于《古音正宗》琴谱集。《平沙落雁》的曲调悠扬流畅，通过时隐时现的雁鸣，描写雁群在空际盘旋顾盼的睛景。《天闻阁琴谱》中写道：”盖取其秋高气爽，风静沙平，云程万里，天际飞鸣。借鸿鹄之远志。写逸士之心胸者也。”《平沙落雁》虽然出现较晚，却是近三百年来流传最广的作品之一，有近百种琴谱刊载此曲。它之所以流传甚广，除了曲调流畅、动听之外，还因为它的表现手法新颖、别致，容易为听众理解。
四、《梅花三弄》
此曲系借物咏怀，借梅花的洁白、芬芳和耐寒等特征，来赞颂节操高尚的人。乐曲前半阕奏出了清幽、舒畅的泛音曲调，表现了梅花高洁、安详的静态；急促的后半阕，描写了梅花不屈的动态。前后两段在音色、曲调和节奏上然不同，有着鲜明的对比。同曲中泛音曲调在不同的徽位上重复了三次，所以称为”三弄”。《梅花三弄》现存谱最初刊见于《神奇秘谱》（1425年版）。
五、《十面埋伏》
这是一首历史题材的大型琵琶曲。关于乐曲的创作年代迄今无一定论。资料追溯可至唐代，在白居易（772—846）写过的著名长诗《琵琶行》中，可探知作者白居易曾听过有关表现激烈战斗场景的琵琶音乐。
本曲现存乐谱最早见于1818年华秋萍编的《琵琶行》。乐曲描写公元前202年楚汉战争垓下决战的情景。汉军用十面埋伏的阵法击败楚军，项羽自刎于乌江，刘邦取得胜利。明末清初，《四照堂集》的“汤琵琶传”中，曾记载了琵琶演奏家汤应曾演奏《楚汉》一曲时的情景：“当其两军决战时，声动天地，屋瓦若飞坠。徐而察之，有金鼓声、剑弩声、人马声……使闻者始而奋，继而恐，涕泣无从也。其感人如此。”
《十面埋伏》流传甚广，是传统琵琶曲中的代表性作品之一。
六、《夕阳萧鼓》
这是一首抒情写意的文曲，旋律优美流畅，在演奏中运用了各种琵琶技法。在曲式上，用扩展、收缩、局部增减和高低音区的变换等手法展开全曲。此曲流传甚广，是琵琶古曲中的代表作品之一。乐谱最早于1875年的抄本。
1925年前后，上海大同乐社根据此曲改编成丝竹乐曲《春江花月夜》，它犹如一幅长卷画面，把丰姿多彩的情景联合在一起，通过动与静、远与近、情与景的结合，使整个乐曲富有层次，高潮突出，音乐所表达的诗情画意引人入胜。
七、《渔樵问答》
此曲在历代传谱中，有30多种版本，有的还附有歌词。现存谱初见于明代。乐曲通过渔樵在青山绿水间自得其乐的情趣，表达出对追逐名利者的鄙弃。乐曲采用渔者和樵者对话的方式，以上升的曲调表示问句，下降的曲调表示答句。旋律飘逸潇洒，表现出渔樵悠然自得的神态。正如《琴学初津》中所述：“《渔樵问答》曲意深长，神情洒脱，而山之巍巍，水之洋洋，斧伐之丁丁，橹歌之矣乃，隐隐现于指下。迨至问答之段，令人有山林之想。”
八、《胡笳十八拍》
本曲为根据同名古诗谱写的乐曲，歌词最早刊于南宋朱熹的《楚词后语》。有《大胡笳》和《小胡笳》两种传谱。
“胡笳”原来是我国北方少数民族的吹奏乐器，它音量宏大，用于军乐以壮声威。《胡笳十八拍》所反映的主题是著名的“文姬归汉”的故事：汉末战乱中，蔡琰（即蔡文姬）在匈奴流落达十二年之久。她虽身嫁左贤王为妻，然而十分思念故乡。当曹操派人接她回内地时，她又舍不得离开两个孩子，还乡的喜悦被骨肉离别之痛所淹没，心情非常矛盾。诗人李欣曾作诗如下：“蔡女者造胡笳声，一弹一十有八拍。胡人落泪向边草，汉使断肠叹归客。”诗人戎昱在《听杜山人弹胡笳》中，也正是抓住了这一矛盾最尖锐的场面：“南看汉月双眼明，却顾胡儿寸心死。”本曲成功地表达了这种复杂的心情，无疑是非常感人的。
九、《汉宫秋月》
此曲有两种较为流行的演奏形式，一为筝曲；另一为二胡曲，由刘天华先生所传。本曲意在表现古代受压迫宫女的幽怨、悲泣情绪，唤起人们对她们不幸遭遇的同情。筝曲演奏运用了吟、滑、按等诸多技巧，风格纯朴古雅，是一首有代表性的山东筝曲；二胡曲则速度缓慢，用弓细腻多变，旋律经常出现短促的休止和顿音，音乐时断时续，加之各种复杂技法的运用，表现了宫女哀怨、悲愁的情绪，具有很深的艺术感染力。
十、《阳春白雪》
相传这是春秋时期晋国的师旷或齐国的刘涓子所作。“阳春白雪”的故事，《宋玉答楚王问》上写道：当歌手唱《下里巴人》时，国中和者数万人。后又改唱《阳春白雪》，因为曲高和寡，只有几个人跟着唱和。现存琴谱中的《阳春白雪》和《白雪》是两首器乐曲。《神奇秘谱》在解题中说：“《阳春》取万物知春，和风淡荡之意；《白雪》取凛然清洁，雪竹琳琅之音。”
现在，音乐舞台上流传的琵琶曲《阳春白雪》，又名《阳春古曲》，是一首有标题的多段体乐曲。它经过历代名人的删改，音乐结构更集中、更严谨、更富有层次，音乐形象也更加鲜明，成为一首雅俗共赏的优秀传统乐曲。 音乐tips之“世界十大”世界十大男高音
1.卡罗·贝尔贡济（Carlo Bergonzi） 2.鲁契亚诺·帕瓦罗蒂（Luciano Pavarotti）
3.普拉西多·多明戈（Placido Domingo）
4.尤西·毕约林（Jussi Bjorling）
5.弗兰科·科莱里（Franco Corelli）
6.吉乌塞比·迪·斯岱法诺（Giuseppe di Stefano）
7.詹姆斯·金（James King）
8.尼科莱·盖达（Nicolai Gedda）
9.杰姆斯·麦克莱肯（James Mccracken）
10.马里奥·德尔·莫纳科（Mario del Monaco）
世界十大女高音 1.伊丽莎白·施瓦尔茨科普芙（Elizabeth Schwarzkopf）
2.比尔吉特·尼尔森（Birgit Nillsson）
3.丽娜塔·苔巴尔迪（Renata Tebaldi）
4.玛丽亚·卡拉斯（Maria Callas）
5.琼·萨瑟兰（Joan Sutherland）
6.蕾昂泰茵·普莱斯（Leontyne Price）
7.贝克佛蕾·西尔斯（Beverly Sills）
8.蒙茨克拉特·卡巴耶（Montserrat Caballe）
9.雷娜塔·斯科托（Renata Scotto）
10.维多利亚·德·洛斯·安琪莱斯（Victoria de Los Angeles）
当代世界十大小提琴家 1.弗里茨·克莱斯勒（Fritz Krdisler）
2.亚莎·海菲兹（Jascha Heifetz）
3.内森·米尔斯坦（Nathan Milstein）
4.大卫·费奥多洛维奇·奥依斯特拉赫（David Feodorovich Oistrakh）
5.耶胡迪·梅纽因（Yehudi Menuhin）
6.亨里克·谢林（Henryk Szeryng）
7.艾萨克·斯特恩（Isaac Stern）
8.列奥尼德·科冈（Leonid Kogan）
9.萨尔瓦多里·阿卡尔多（Salvatore Accardo）
10.伊扎克·帕尔曼（Itzak Perlman）
当代世界十大指挥家
朱利尼（Carlo Maria Giulini,1914-） 生于意大利南部的巴列塔，“二战”后崭露头角，1946-1951年出任意大利广播电台乐团总监，其间于1950年受到托斯卡尼尼的重视。1952年起在著名的米兰斯卡拉歌剧院担任萨巴塔的副手，两年后接班升任首席指挥，与当时最著名的女高音玛丽亚?卡拉丝有过密切合作。1958年在柯文特花园歌剧院指挥威尔第《唐卡洛》，盛况空前，而1962年指挥爱乐乐团演出并录音的《安魂曲》，更是令人叫绝??这两种唱片都由EMI发行。此后朱利尼来到美国，指挥芝加哥交响乐团和洛杉矶爱乐乐团，并且客座指挥维也纳交响乐团和维也纳爱乐乐团，在DG录制唱片。
唱片选粹：
⊙ DG 445 502-2 贝多芬：第五交响曲（洛杉矶爱乐乐团） ⊙ DG 427 345-2 布鲁克纳：第九交响曲（维也纳爱乐乐团） ⊙ DG413 153-2 穆索尔斯基：展览会上的图画（芝加哥交响乐团） ⊙ DG415 288-2 威尔第：弄臣（维也纳爱乐乐团） ⊙ DG410 503-2 威尔第：法尔斯塔夫（洛杉矶爱乐乐团） ⊙ EMI CDS 7472578 威尔第：安魂曲（爱乐乐团） 库贝利克（Rafael Kubclik,1914-）
生于捷克的比霍里，其父扬?库贝利克是著名的小提琴家、作曲家。1928-1933年就学于布拉格音乐学院，次年即指挥捷克爱乐乐首次登台。此后至1936年他经常指挥乐团为父亲演出其六首小提琴协奏曲的其他小提琴和乐队曲伴奏1936-1939年任捷克爱乐乐团执行指挥，1942年升任艺术总监。1948年捷共接管政权时，库贝利克正在英国参加爱丁堡音乐节，由此脱离捷克，次年赴美国指挥芝加哥交响乐团。1955年就任柯文特花园歌剧院音乐监督，1957-1958年指挥纽约爱乐乐团。库贝利克一生最重要的职位是1961-1979年间出任巴伐利亚广播交响乐团首席指挥，，他的许多优秀唱片都是和这个乐团合作录制的。
唱片选粹：
⊙ DG 447 412-2 德沃夏克：第八、九交响曲（柏林爱乐乐团） ⊙ DG 457 712-2 德沃夏克：斯拉夫舞曲（巴伐利亚广播交响乐团） ⊙ CBS M2YK 45680 舒曼：第一、三交响曲（巴伐利亚广播交响乐团） ⊙ DG429 183-2 斯美塔那：我的祖国（波士顿交响乐团） 马纳里（Sir Neville Marriner,1924-）
生于英国林肯郡，幼年学小提琴，13岁就于伦敦皇家音乐学院，第二次世界大战后成为该学院小提琴教授，并与著名管风琴家、羽管键琴家达尔特（Dart）组成二重奏组，为argo录制了许多珀塞尔的作品。1956年马里应伦敦圣马丁教堂之邀筹办晚祷音乐会，次年即创建了著名的圣马丁乐团（全称“田园里的圣马丁室内乐团”）并一直担任团长至1978年，为Decca公司及其副牌argo和L’Oiscau-Lyre,以及Philips和EMI等，录制了大量巴罗克和古典时期音乐的优秀唱片。1978-1985年他出任美国明尼苏达管弦乐团音乐总监，1981年起又兼任斯图加特广播交响乐团首席客座指挥。
唱片选粹：
⊙ Philips442 556-2 巴赫：赋格的艺术、音乐的奉献（圣马丁乐团） ⊙ Decca 430 260-2 巴赫：第八十二、一百五十九、一百七十康塔塔（圣马 丁乐团） ⊙ arga417 818-2 巴伯：弦乐柔板（圣马丁乐团） ⊙ Decca 430261-2 亨德尔：六首大协奏曲（圣马丁乐团） ⊙ EMI CDC7540562 苏佩：序曲集（圣马丁乐团） ⊙ argo414 486-2 维瓦尔第：四季（圣马丁不团） 戴维斯（Sir Colin Davis,1927-）
生于英国威布里奇，早年修习单簧管，担任乐团演奏员，无师自通而成为指挥，1960年在切尔西歌剧院首次指挥演奏莫扎物《唐乔万尼》。1967-1971年间担任英国广播公司（BBS）交响乐团首席指挥，此后至1986年一直担任柯文特花园歌剧院首席指挥和艺术指导，演出并录音了一系列莫扎特和普契尼的歌剧院，大获成功。这期间他还兼任伦敦交响乐团、波士顿交响乐团、阿姆斯特丹音乐厅乐团、巴伐利亚广播交响乐团和德累斯顿时国家乐团等世界一流管弦乐团的客座指挥，被认为是比彻姆之后最出类拔萃的英国指挥大师。戴维斯擅长海顿交际花响曲、莫扎特和贝多芬协奏曲、柏辽兹的管弦乐偿品的歌剧、西贝柳斯交响曲等，唱片录音乐主要集中在Philips和RCA,Decca也有少许。
唱片选粹：
⊙ Philips 422 149-2 贝多芬：第三、四钢琴协奏曲（德累斯顿国家乐团） ⊙ Philips 416 215-2 贝多芬：第五钢琴协奏曲（德累斯顿国家乐团） ⊙ Philips 416 432-2 柏辽芬：特洛伊人（柯文特花园歌剧院） ⊙ Philips 442 611-2442 614-2 海顿：第九十三、一百零四交响曲（阿姆斯特丹音乐厅 乐团） ⊙ Philips 438 323-2 莫扎特：五首小提琴协奏曲（伦敦交响乐团） ⊙ RCA 60599-2-RC 莫扎特：安魂 曲（巴伐利亚广播交响乐团） ⊙ Philips 420 490-2 西贝柳斯：第二交响曲（波士顿交响乐团） ⊙ Philips 400 074-2 斯特拉文斯基：火鸟（皇家近乐乐团） 海廷克（Bernard Haitink ,1929-）
生于荷兰阿姆斯特丹，年轻时曾担任荷兰广播爱乐乐团小提琴手。在师从莱特纳培训一年之后，1955年便当上了该乐团首席指挥，四年后成为首席。1967年受聘出任伦敦爱乐乐团首席指挥，1969年升任艺术总监直至1978年。自1961年起海廷克便是北欧首屈一指的阿姆斯特丹音乐厅乐团主要领导者，30年来他和这个乐团都极为活跃，音乐会演出和唱片录音成果丰硕，他们录制的贝多芬交响曲的协奏曲全集、李斯特交响曲诗全集，尤其是德彪西乐队作品全集和肖斯塔科维奇交际花响曲全集，都是爱乐人士乐城称道的佳作。
唱片选粹：
⊙ Philips 422 971-2 贝多芬：小提琴协奏曲（阿姆斯特丹音乐厅乐团） ⊙ Philips 412 735-2 布鲁克纳：第四交响曲（维也纳爱乐乐团） ⊙ Philips 434 155-2 布鲁克纳：第七交响曲（阿姆斯特丹音乐厅乐团） ⊙ Philips 438 751-2438 754-2 李斯特：交响诗全集（伦敦爱乐乐团） ⊙ Philips 416 466-2 马勒：第九交响曲（阿姆斯特丹音乐厅乐团） ⊙ Decca 417 581-2 肖斯塔科维奇：第十五交响曲（伦敦爱乐乐团） 普雷文（Andr e Pre I n,1929-）
生于柏林，5岁时便听过富特文格勒指挥柏林爱乐乐团的音会，6岁入音乐学院就读学钢琴。因有犹太血统而逃离纳粹德国，1939年定居洛杉矶。中学时代的普雷文已是米高梅电影公司的专业作曲家了，并有机会指挥该公司的乐团演奏他本人的曲子。身为杰出的爵士乐钢琴家，普雷文可谓少年得志，1945年16岁时便为大分司RCA录下两张畅销唱片。在好莱坞的那些岁月，他先后获得过四次电影音乐的奥斯卡奖。60年代普雷文开始转向严肃音乐，1965年RCA邀请他指挥伦敦交响乐团演录了肖斯塔科维奇第五交响曲，由此打开局面，四年后接替克尔提斯担任这个英国一流乐团的首席指挥，直到10年后的1979年。此后他相继出任匹茨堡交响乐团、洛杉矶爱乐乐团和皇家乐乐团的音乐总监，直至80年代中期。
唱片选粹：
⊙ Philips 412 611-2 格什温：蓝色狂想曲,一个美国人在巴黎（匹茨堡交响乐团） ⊙ Decca 417 728-2 格里格：钢琴协奏曲（伦敦交响乐团） ⊙ EMI CDC 747160２ 霍尔斯特：行星（伦敦交响乐团） ⊙ EMI CMS 7645302 拉赫玛尼诺夫：三首交响曲，交响舞曲（伦敦交响乐团） ⊙ EMI CDM 7631142 拉赫玛尼诺夫：钟（伦敦交响乐团） ⊙ RCA 74321-24212-2 肖斯塔科维奇：第五交响曲（伦敦交响乐团） ⊙ EMI CZS 7628162 柴柯夫斯基：三大芭蕾选曲（伦敦交响乐团） 卡克莱伯（Carlos Kleiber,1930-）
生于柏林，其父埃里克?克苤伯也是一位大指挥家，50年代在Decca录制过贝多芬交响曲全集，颇受好评。小克莱伯生长在这样的家庭，在音乐素养方面自然得天独厚。但此人一向无意接受任何长期的聘任，虽然自50年代起先后指挥过许多乐团和歌剧院，却不愿受制其中任何一家的常任之职。他的演出活动不多，且又不事张扬，仿佛他登台指挥演出每每是不得已而为之。这位乐坛“隐士”，一旦“出山”，总有佳作。依名气而论，小克莱伯的唱片可谓少之又少，却几乎款款抢手。
唱片选粹：
⊙ Orfco C100 841 B 贝多芬：第四交响曲（巴伐利亚国家乐团） ⊙ DG400 037-2 布拉姆斯：第四交响曲（维也纳爱乐乐团） ⊙ DG 449 745-2 舒伯特：第三、八交响曲（维也纳爱乐乐团） DG413 315-2 ⊙ 瓦格纳：特里斯坦与伊索尔德（德累斯顿国家乐团） ⊙ DG415 432-2 威柏：魔弹射手（德累斯顿国家乐团） 阿巴多（Claudio Abbado,1933-）
生于意大利米兰，父亲是米兰威尔第音乐学院的小提琴家兼教师，母亲是钢琴家。自威尔第学院毕业后，阿巴多1956年赴维也纳音乐学院专修指挥（与祖宾?梅格同学），两年后首次登台即获成功，同年并获“库塞维茨奖”，1962年又获“米屈风普洛斯国际指挥竞赛奖”，并由此而获得资格进入纽约爱乐乐团成伯恩斯坦和乔治?塞尔的助手。卡拉扬听了阿巴多在柏林的指挥后，邀其参加1965年萨尔茨堡音乐节指挥马勒第二交响曲，从此声誉鹊起，同年起指挥米兰斯卡拉歌剧院，1968年升任常任指挥，1971年再升艺术监督，掌握了这个世界数一数二的歌剧院。这一年，阿巴多还有幸被任命为维也纳爱乐乐团首席指挥，次年又受聘为伦敦交响乐指挥，1982年又出任芝加哥交响乐团首席客座指挥。1977年阿巴多还创建欧共体青年管弦乐团（后改名为欧洲室内乐团）并担任音乐总监。最终，当卡拉扬于1989年逝世，阿巴多在众多竞争者中脱颖而出，接管了柏林爱乐团。
唱片选粹：
⊙ DG 423 590-2 贝多芬：第二，五交响曲（维也纳爱乐乐团） ⊙ DG 435 683 2 布拉姆斯：交响曲全集（柏林爱乐乐团） ⊙ DG 415 482-2 莫扎特：第二十，二十一钢琴协奏曲（维也纳乐乐乐团） ⊙ DG 427 331 2 罗西尼：意大利女郎在阿尔及尔（维也纳爱乐乐团） ⊙ DG 435 763 2 罗西尼：塞维利亚理发师（欧洲室内乐团） ⊙ DG 415 854 ?2 斯特拉文斯基：火鸟组曲，春之祭（伦敦交响乐团） ⊙ DG 429 527-2 柴柯夫斯基：第二，四交响曲（新爱乐乐团，维也纳爱乐乐团） ⊙ DG 413 448 2 威尔第：哥剧合唱曲集（斯卡拉歌剧院） 迪图瓦（Charlcs Dutoit,1936-）
生于瑞士洛桑，先后就读于洛桑音乐学院，日内瓦音乐学院，年轻时学过钢琴，小提琴，中提琴，打击乐，并加入洛桑室内音乐团，1959年指挥该团演出。1964-1967年任苏黎士广播交响乐团指挥，此后10年任伯尔交响乐团音乐监督，长期以来将这个原先名不经传的加拿大乐团调理得大放光彩，并借助Decca的优异录音，使得他们的大量唱片为爱乐者所珍视。
唱片先粹
⊙ Decca 448 233-2 穆索尔斯基：展览会上的图画（蒙特利尔交响乐团） ⊙ Decca 440 255-2 拉威尔：达菲尼与克罗埃（蒙特利尔交响乐团） ⊙ Decca 410-254-2 拉威尔：鹅妈妈，库普兰墓前（蒙特利尔交响乐团） ⊙ Decca 410 230-2 拉威尔：两首钢琴协奏曲（蒙特利尔交响乐团） ⊙ Decca 430 729-2 雷斯皮期：三首罗马交响诗（蒙特利尔交响乐团） 加迪纳（John Eliot Gardiner ,1943-）
生于英国牛津，大学时代即组织蒙特威尔第合唱团，师从安塔尔?多拉第和霍尔斯特学习指挥，并在BBS北方交响乐团见习。自年轻时代起加迪纳便悉心研究蒙特威尔第音乐，并和霍雷斯顿，平诺克，诺灵顿等几位英国音乐家一样，致力于以仿古乐器演奏巴罗克音乐的尝试，作出卓越的贡献。自80年代以来，加迪纳指挥英国巴罗克独奏家乐团和革命与浪漫管弦乐团演出并灌录了许多精美绝伦的唱片，成为仿古演奏的代表怕人物。近年来，他便是将演奏曲目扩展至贝多芬全部交响曲，甚至大胆地以仿古乐团演奏柏辽兹作品和舒曼交响曲全集。时集世纪之交，加迪纳的声望可谓如日中天。
唱片选粹：
⊙ Archiv 447 050-2 贝多芬：第三，四交响曲（革命与浪漫管弦乐团） ⊙ Philips 416 148-2 格鲁克：伊菲姬尼在陶里德（里昂歌剧院） ⊙ Philips 411 041-2 亨德尔：所罗门（英国巴罗克独奏家乐团） ⊙ Archiv 419 250-2 蒙特威尔第：奥菲欧（英国巴罗克独奏家乐团） ⊙ Archiv 457 591-2 舒曼：交响曲全集（革命与浪漫管弦乐团） 当代世界十大交响乐团
1.德累斯顿国立交响乐团（德国） 这是世界上最古老的交响乐团，成立于1548年。开始时只是室内乐队的小编制，后逐步扩大。该团在18世纪前以演奏意大利歌剧为主。从1817年开始，由著名作曲家韦伯担任指挥，进一步充实了乐队人员的编制。后又经著名音乐家瓦格纳和理查·施特劳斯的指挥排演，这样创造出了辉煌的历史。
德累斯顿交响乐团最擅长歌剧演奏；在交响作品方面，拥有跟西欧乐团所不同的独特音响，而且声部平衡很好。该团所演奏的德奥古典音乐格调高雅、音响丰满，具有美妙的德国古老传统色彩。
2.维也纳爱乐管弦乐团（奥地利）
维也纳爱乐乐团的历史可以追溯至1842年，该团是世界闻名的音乐之都——维也纳的象征性乐团。从1860年起，这个乐团由团员自主经营，在德索夫指挥下举办定期音乐会。1870年，里希特担任该团指挥后，该团声誉渐起。而后，马勒、理查·施特劳斯、勃拉姆斯和布鲁克纳等著名作曲家或指挥家，都曾指挥该团演出。这个乐团不设常任指挥。第二次世界大战后，贝姆、卡拉扬、慕蒂、伯恩斯坦、马泽尔等当代著名指挥家都经常被邀为客串指挥。据统计，指挥这个乐团灌制过唱片的指挥家竟达36位之多。
维也纳爱乐管弦乐团的演奏有一种独特的美感，多年来一直保持着鲜明的德奥音乐的传统风格，典雅而庄重，弦乐音色华丽优美。该团演奏的曲目比较保守，以传统的德奥作品为主。值得一提的是，这个乐团对于任何类型的指挥家都能作出灵敏的反应。有时，他们在严格的指挥家手下，白天举行定期演奏会，演奏布鲁克纳的交响乐作品，晚上却在意大利歌剧指挥家的手下，演奏意大利歌剧，足见该团的适应能力之强。
3.纽约爱乐管弦乐团（美国）
这是美国最早的交响乐团，由希尔创立于1842年。1922年，门格尔贝格接任首席指挥后，该团的演奏水平飞速发展。1928年，该团跟纽约交响乐协会合并，形成今天的规模。曾在该团任职的指挥家的名单中，可以看到马勒和达姆罗许等人的名字。从1928年到1936年间，托斯卡尼尼就任音乐监督，该团进入了黄金时代。1958年，当代著名指挥家伯恩斯坦开始指挥该团，使该团进入了第二个黄金时代。从1978年起，印度著名指挥家祖宾·梅塔就任该团的音乐指导与指挥。
纽约爱乐交响乐团共有团员106名，每年要演奏52周，其中有23周举办定期演奏会，演出场次大约为190次。该团是美国最古老的交响乐团，具有非凡的演奏水平，而且在历代著名指挥家统率下灌录了数量众多的唱片，其演奏成员中著名的演奏家比比皆是，不胜枚举。
4.波士顿交响乐团（美国）
波士顿交响乐团创立于1881年，由亨谢尔任指挥。该团从创立至1918年的历任指挥都是清一色的德国指挥家。1919年，法国作曲家拉波接任指挥。从1924年俄国著名指挥家库塞维兹基就任音乐监督后，波士顿交响乐团进入了黄金时代。1972年，乐团又进入小泽征尔时代，再度重振威风。
波士顿交响乐团是现今所有美国乐团中最具贵族气息的乐团。在美籍日本指挥家小泽征尔和英国指挥家戴维斯这两位著名人物的轮流指挥下，这个乐团灌录了无数张令人爱不释手的唱片杰作。该团的弦乐合奏具有特殊的感染力量，他们演奏的中国乐曲《二泉映月》（改编为弦乐合奏）深受中国观众的称赞。
5.柏林爱乐管弦乐团（德国）
柏林爱乐管弦乐团成立于1882年，著名指挥家尼基什曾任该团指挥达27年之久，他在任期间为乐团打下了牢固的基础，使之成为全世界首屈一指的交响乐团之一。1954年，福特万格勒担任该团指挥，此后乐团声誉更盛。1955年后由卡拉扬接任该团终身常任指挥，由此进入卡拉扬时代，此间该团的演奏活动和唱片录音更为频繁。在萨尔兹堡音乐节上，该团曾参与歌剧公演活动。
同欧洲许多传统的乐团相比，柏林爱乐管弦乐团的历史较短，但担任该团指挥职务的大多是最伟大的指挥家，这就使他们的演奏曲目无限扩大，合奏技能精彩绝伦，并具备了优异的反应能力，无论哪个指挥家统率该团，都能发挥其实力。可以这样说，柏林爱乐管弦乐团是当今世界上名符其实的各交响乐团之冠。
6.捷克爱乐管弦乐团（捷克）
该团是在1894年以布拉格国民剧院管弦乐团为中心组建的，两年后在捷克著名作曲家德沃夏克指挥下第一次举行演奏会。该团起初隶属于布拉格国民剧院，到1901年才独立出来。1918年，著名指挥家陶利希担任该团的音乐监督后，该团才成为前捷克和斯洛伐克首屈一指的乐团。到1950年后的安杰尔时代，该团终于拥有了世界性的实力与声誉。
捷克爱乐管弦乐团的演奏的曲目十分广泛。该团的弦乐部分特别优秀，有古雅的情调和捷克式的独特音响，尤其在演奏本民族的作品时情韵特别优美，其中以德沃夏克的音乐为其最高成就。
7.费城管弦乐团（美国）
费城管弦乐团创立于1900年，首任指挥是谢尔。1921年，斯托科夫斯基就任该团的第三任音乐监督，在他的训练下，这个年轻的乐团很快成为全美的“三大乐团”之一。该团在广播与唱片录音方面也极为活跃。此外，该团还积极介绍与首演现代音乐，为美国乐坛带了来欣欣向荣的景象。1938年后，奥曼蒂接任该团的音乐监督，他担任此职竟达41年之久。该团现由当代著名指挥家穆蒂担任常任指挥。
费城管弦乐团共有105名团员，每年工作52周，大约举行190多场音乐会。该团以辉煌的音响和多彩的音色闻名于世，被誉为“费城音响”；其各个乐器组内都有著名的演奏家。该团在美国冠盖群雄，堪称为20世纪世界性的“超级交响乐团”。
8.多伦多交响乐团（加拿大）
多伦多交响乐团创建于1908年。1923年，克尼兹担任该团的首席指挥。1931年，马克米兰就任该团的音乐监督后，乐团有了长足的进展。马克米兰功劳卓著，曾被英国皇室封为爵士。1936年，著名指挥家朱斯金特接棒，使这个乐团产生了辉煌的演奏效果。1965年，小泽征尔担任该团的音乐监督，使该团终于确立了世界第一流的地位，在这段时间内，该团曾灌录了不少唱片。
多伦多交响乐团共有团员95名，近年来由戴维斯接任音乐监督后，该团似乎返老还童，变得格外精神抖擞，演奏富有朝气，音色明亮、华丽。
9.列宁格勒爱乐交响乐团（前苏联）
这是俄国历史上最悠久、实力最强的管弦乐团。它的起源可以追溯到18世纪的圣彼得堡宫廷乐团，但是他们举行公开演出却是从本世纪才开始的。1917年，在俄国著名指挥家库塞维斯基担任指挥时，曾以“国立爱乐管弦乐团”之名开始活动。1938年，前苏联著名指挥家姆拉文斯基就任该团的音乐监督，此后的40多年，该团声誉渐高，成为“姆氏的亲兵”而进入黄金时代。
列宁格勒爱乐交响乐团的演奏风格充满激情、富有力度感，充分反映出彼得堡这个古老城市的文化特性，在合奏上显示了俄国式洗练的特色。该团最擅长演奏本民族音乐家如柴科夫斯基、肖斯塔科维奇等人的作品，其解释令人信服而表现生动。该团还特意配置了两套水平同样高超的人马，当乐团旅行演出时，必有一套人马留守在“大本营”中。
10.日本广播（NHK）交响乐团（日本）
这是1926年以近卫秀为中心而组建的乐团，当时称作“新交响乐团”，次年开始举办定期演奏会。1935年，近卫担任常任指挥，该团从此活跃于日本乐坛。后改称日本交响乐团后，由尾高尚忠和山田雄一任指挥。1951年隶属于日本广播协会（NHK），由此改称为目前的团名。
日本广播协会（NHK）交响乐团，是全日本最杰出的乐团，四管编制，全团人员共128名，每年平均演出140场左右（其中定期音乐会60场），听众达30万人次。该团的弦乐部分特别突出，合奏效果也十分完美，其充实的演奏能力，堪与欧美的乐团相媲美。特别是在演奏日本现代作品时，该团最能发挥他们的实力。
世界十大音乐盛会
1.世界上最大的音乐节 1969年8月15日，在美国纽约市郊胡士托私人农场，举行过一次举世无双的大型音乐节，来自各州的参加者多达45万人以上，起先规定买票入场，后因人多票少无法控制，干脆免费开放。这次活动的口号是“和平与音乐”，历时三天三夜,没有发生暴力事件，还在现场诞生了几个婴儿。农场主人麦斯·雅斯卡一夜之间成了名人。
2.最大规模的几场流行音乐会
1980年9月13日，在纽约中央公园举行埃尔顿·约翰的音乐会，约有40万人参加。一年后在同一地点，有50万人参加了西蒙和格芬克的联合音乐会。1973年7月29日，纽约瓦特斯·格兰举办了摇摆音乐节，在这个音乐节上，有60万人参加，但只有15万人购买了入场券。
3.音乐会演员、观众之最
最大的合唱队是出现在1937年8月2日德国布鲁劳的一次大合唱，在有16万人参加的合唱比赛的结尾中，有6万人齐声演唱。参加人数最多的古典音乐会，是1986年7月5日在纽约中央公园的大草坪上，由纽约爱乐乐团演奏的一场免费的露天音乐会，估计有80万人参加。观众之最的纪录，是1986年4月5日在得克萨斯的休斯敦市中心创造的，人们看见了照射在建筑物表面的激光图，估计有130万人前来观赏这一激光表演，并造成了休斯敦历史上最大的交通阻塞事故。
4.最早的音乐比赛
约公元六世纪在特耳菲城为纪念阿波罗神斩巨蟒的大型比赛。比赛的项目除了体育外，还有音乐与诗歌。古希腊人相信：公开的比赛不仅可以刺激演奏者的才能，也将提高一般听众的欣赏水平。
5.最早的公演音乐会
世界上最早举办收费凭票入场的音乐会，是1672年由英国的小提琴家约翰.巴世斯特举办的。音乐会的场子是一个大房间，里面摆着一些椅子和桌子，像一家啤酒店。票价一先令。巴尼斯特组织了几个乐师，在搭起的小台上演奏，每晚六时开始，一连演奏了6年之久。
6.音量最大的音乐会
1976年5月31日，英国伦敦的查尔顿足球场的一场举世无双的大音量音乐会。舞台上放置了80台800瓦超级DC30A扩音机、20台600瓦高音200型分频器，扩音设备的输出总功率高达76000瓦的超大音量，靠舞台前50米观众席的噪音达120分贝。尽管如此，仍有成千上万的人甘愿冒终生耳聋之险而前去赴会。
7.最多的谢幕次数
1983年7月5日，奥地利维也纳国家歌剧院演出普契尼的歌剧《波希米亚人》，世界著名的男高音歌唱家帕拉契多·多明戈（Placidl Domingo）的表演特别出色。当他的领唱结束后，雷鸣般的掌声长达一个半小时，多明戈谢幕达83次，成为歌剧史上歌唱演员所获得的最高殊荣。
8.最长时间的重演
1844年，在英国的一场音乐会中，亨德尔的一首歌受到没完没了的欢迎，弄得其它节目上不了台，只得宣布散场了事。世界上最长时间的重演，是1792年首次上演的西马罗沙的歌剧《塞格雷多的婚礼》，在当时奥匈帝国皇帝里奥布尔德二世的命令下，全剧重演。
9.票价最贵的几场音乐会
1985年1月17日，意大利著名男高音歌唱家帕瓦罗蒂在夏威夷州府檀香山音乐厅举办过一场演出，这个音乐会的最低票价竟达125美元，而且早在半年之前就已全部预订完毕。 不过，据当地报纸报道，檀香山的票价，仅为帕瓦罗蒂在美国内华达州的拉斯维加斯城（著名的“赌城”）演出时票价的一半。在“赌城”演出时，每张票的价格高达250美元。 19世纪末，被誉为“瑞典夜莺”的抒情花腔女高音歌唱家詹尼·琳德（1820－1887）的音乐会票价则更为昂贵。音乐迷为了聆听她的演唱，不惜血本地付出了653美元去购得一张票。
10.音乐气氛最浓的城市
维也纳堪称世界音乐之都。全市共有五个大的交响乐团，不计其数的小乐团，剧院二十三个，还有大量的音乐厅。每天晚上，各个剧院座无虚席，观众穿上最新颖、最漂亮的服装来观看演出，聆听音乐。无论是在街头，还是在饭店、咖啡馆，维也纳到处洋溢着音乐之声。甚至揿一下电话机上的按钮，也能听到动人的音乐。
|
|||||||
|
|
